Ferran Palau: "He hecho una renuncia al pop y he abrazado la canción en su estado más puro"

PalmaFue a principios de año, día 24 de enero, cuando Ferran Palau sacó el disco Aniversari feliç. Un álbum de diez canciones y con una parte visual llena de niebla y un protagonista: el fantasma. El músico explica que la niebla representa la “idea de estar en el cielo, en las nubes”, y el fantasma es una metáfora del hecho de ir quitando capas: la ropa, la piel, hasta que solo queda el alma o el espíritu. “Necesitaba renunciar a ciertos clichés que se asociaban conmigo y con mi música”, dice. Así, ha quitado la batería, proponiendo una experiencia de escucha que lleva al oyente a un no-lugar, un espacio etéreo, ligero. Presentará Aniversari feliç en Mallorca día 27 de junio, en el jardín de la Casa Llorenç Villalonga, en el marco del festival La Lluna en Vers. Hemos hablado con él.

“Prenderé fuego a tantas cosas” es la primera frase del disco, que empieza con la canción ‘Tan feliç’. ¿Esto quiere decir escribir y hacer canciones de otra manera?

— También. Quería volver a un lugar más esencial: escribir una canción, grabar voz y guitarra y que no necesitara mucho más. Que la canción fuera la propuesta y que la producción fuera menos relevante. He buscado una sensación aérea, como un paseo por las nubes. Me gustaría que la gente, cuando vea el concierto, tenga la sensación de que es algo fuera del espacio y del tiempo, sin una épica o una moda concreta. Que de aquí a muchos años puedas escuchar el disco y no sepas si es de 1956, de 1976 o de 2026.

A escala de sensaciones a la hora de crear, ¿cómo os ha parecido esta nueva manera de hacer?

— Ha sido un proceso que me ha servido para vaciarme y para ilusionarme de nuevo. Había perdido un poco la mirada fresca y la sensación de saber hacia dónde iba. Comparado con hace unos años, ahora sí que me siento fresco. He hecho una renuncia al pop y he abrazado la canción en su estado más puro.

Suena arriesgado pero honesto.

— Sé que, comercialmente, no es la mejor estrategia; pero, vitalmente, sí. Hay un momento en el que tienes la sensación de que haces lo que haces porque te lleva una inercia por motivos extraartísticos. El formato pop me permitía tocar en todo tipo de espacios y era una música más fácil de vender. El cambio tenía un punto de riesgo. Pero la Louise, mi pareja y mánager, fue la primera en decirme que debía seguir mi brújula artística y no pensar en nada más. Si no, acabas perdiendo la esencia.

Explicáis a menudo que escribís de manera muy intuitiva. Si bien habéis tocado algunas cosas en el proceso de producción, entiendo que la manera de escribir no ha cambiado.

— No. Mi método consiste en hacer un poco cada día. Pero el mundo cambia, yo no soy la misma persona, la mirada y la actitud también cambian. Nunca tengo la sensación de estar controlando lo que hago. En cuanto a las letras, me siento más espectador de lo que hago que la persona que lo escribe. No acostumbro a tomar una decisión consciente sobre de qué irá una canción. Van apareciendo posibles interpretaciones y las que me parecen interesantes las refuerzo. He escrito muchas canciones y, a veces, pienso que es difícil entender exactamente cómo pasan estas cosas.

Dejadme decir que las letras de este disco quizá son más literales que en otros…

— Un poco, pero no mucho. De hecho, algunas cosas las acabé corrigiendo para que no fueran tan explícitas. Cuando se entrevé demasiado claramente el tema del que habla una canción, yo pierdo interés. Me gustan las posibilidades. Una canción debe tener capacidad elástica. Cuando se convierte en una historia cerrada, ya no funciona para mí.

¿Hay alguna que os haya sorprendido escribir?

— ‘Bang Bang’, por ejemplo. Es una canción sobre un asesinato. No lo decidí. Tenía esta idea guardada desde hacía años, a partir de la onomatopeya bang- bang. La quería emplear en algún momento, pero nunca llegaba el día. Hasta ahora. Estirando el hilo acabó apareciendo este pequeño relato.

A ¡Ey, ¿qué tal? aparece esta idea de continuar haciendo vida normal mientras todo parece que se hunde alrededor. ¿Habéis cambiado ligeramente la mirada: de adentro hacia afuera. ¿Está de acuerdo?

— Totalmente. En los discos de las épocas de Kevin y Parc había una música muy escapista de la realidad. Cosa que, de hecho, también es una respuesta a la realidad, pero desde la evasión. En cambio, cuando escuché el grueso de las canciones de este disco vi que miraban más allá, al mundo de fuera de mi cuerpo y mi cabeza. Hay más conciencia de lo que pasa y también de la ansiedad que tiene la gente. Todo eso se ha colado. Antes no pasaba tanto. Cuando las canto en directo, veo que hay frases que sugieren cosas muy alineadas con cómo se siente mucha gente. Todo el mundo sabe que las cosas no van bien, todo el mundo querría que cambiase el panorama, pero no acaba de pasar nada y nadie se siente capaz de hacer gran cosa.

Y por eso salimos a esparcir la niebla, como dice la canción.

— La gente hace lo que puede con las contradicciones. Hay cuestiones como la adicción al móvil o el hecho de consumir con más responsabilidad, que sabemos que nos afectan. Se juntan muchas cosas a la vez y nos generan culpabilidad, ansiedad y angustia. Pero, en realidad no deberíamos sentirnos culpables. Si haces vida normal aunque tengas la sensación de que todo se está hundiendo, no te tienes que sentir culpable. Un día leí un poema de Wisława Szymborska, y uno de los versos decía: “Perdonadme, guerras lejanas, por llevar flores a casa”. Al final, lo que tenemos que hacer es intentar hacer feliz a nuestra familia y a nuestros amigos.

¿Cómo ha influido en el sonido del disco esto de quitarle capas? Además, que suenan el violonchelo, la flauta travesera y el clarinete, el trombón…

— Me interesaba trabajar con instrumentos atemporales, fuera de épocas y de modas, que a la vez tienen la capacidad de sonar muy contemporáneos. Encajan con esta búsqueda de un sonido aéreo y fuera del ritmo. Por eso también fue importante quitar la batería. Todo el peso cae sobre la guitarra y la voz. Y sin metrónomo. En el estudio, buscaba un sonido final, en el disco, muy natural. Durante los últimos quince años las nuevas tecnologías han hecho que la producción musical se vaya puliendo cada vez más. Es muy fácil afinar una voz o hacer que un ritmo vaya perfectamente a metrónomo, y esto hace que mucha gente tienda a limpiar y sobreeditar la música. Me parece perfecto, y hay gente que hace cosas que me maravillan, pero es cierto que el sonido también se ha ido volviendo más artificial y homogéneo. Todo el mundo utiliza los mismos recursos. Yo tenía claro que mi música no podía pasar por ahí. Quiero oír mi tono de voz, quiero que la guitarra suene así como muevo los dedos.

Trabajáis de nuevo con Jordi Matas, y han participado de una manera especial Louise Sansom y vuestro hijo Leo. ¿Qué os lleváis de cada uno?

— Con Jordi somos una especie de monstruo de dos cabezas. Hace muchos años que trabajamos juntos. Es una persona muy inquieta en el ámbito de la investigación sonora y yo estoy más obsesionado con escribir canciones. Él es un psicópata del sonido y a menudo me insiste con aquello de "esto ya lo hemos hecho". Siempre intenta abrir una ventana nueva, aunque sea pequeña, y llevarnos a una pantalla siguiente. A veces lo consigue y se lo agradezco. Louise está presente en todos los aspectos de mi vida: musicalmente, familiarmente y sentimentalmente. En este disco también ha tenido mucho que ver con la idea del fantasma, con la fotografía de la portada y con el videoclip. Hacía años que no trabajábamos así juntos y me recordó los primeros tiempos de Anímic, cuando con pocos medios intentábamos hacer cosas bonitas. Ha sido muy bonito reencontrarnos haciendo este tipo de proyectos.

¿Y Leo? Se hace grande…

— Leo también participa. Además, está escribiendo sus canciones, aprendiendo a tocar la guitarra y, a ver si podemos, grabaremos su primer disco. Es muy trabajador y tiene muchas ganas de mejorar como músico.

Ha dicho en alguna ocasión que su enfermedad con la sordera ha empeorado. Es una limitación, pero también ha comentado que puede ser una influencia creativa. ¿Cómo está, en estos momentos, con esto?

— Hay cosas que ya son problemáticas para mí: exponerme al ruido, por ejemplo. Si hay mucha gente a mi alrededor, o si estoy sentado en una mesa con más de cuatro personas, me tengo que poner tapones. Musicalmente pasa lo mismo. En el escenario, si me expongo a mucho volumen, los oídos me distorsionan. Por eso intento trabajar con un volumen suave. Los escenarios muy grandes pueden llegar a ser insoportables. Ya hace años que el médico me dijo que no podía exponerme a ciertos niveles de ruido. Podríamos decir que no siempre me he portado bien en este sentido, y por eso ahora estoy sufriendo más. La enfermedad está ahí y es inevitable. Los años que pueda seguir oyendo pueden ser de más calidad o de menos calidad, y hay una parte que depende de mí. Una oreja ya la tengo muy mal y la otra la tengo que cuidar. Por eso estoy muy feliz con este formato de directo. A veces hasta me olvido, de este problema de oído, porque no hay frecuencias que me molesten ni volúmenes que me distorsionen.