Marta Torrella (Tarta Relena): "Incorporem diferentes lenguas; cada una tiene una cosmovisión propia"

PalmaDespués de explorar el repertorio tradicional desde una mirada contemporánea a sus primeros trabajos, Tarta Relena se sumergió en el pensamiento trágico, los oráculos y la relación de la humanidad con la incertidumbre del futuro para escribir y hacer sonar És pregunta (2024), un disco producido íntegramente por el dúo que forman Helena Ros y Marta Torrella. Con la máxima ‘menos es más’ por bandera, Tarta Relena ofrece un conjunto de canciones que narran la impermanencia y convierten el directo en un ritual. Las voces son el instrumento protagonista, y las diferentes lenguas en las que cantan aportan diferentes “cosmovisiones” al disco. Lo presentarán el día 31 de julio en el jardín de la Casa Llorenç Villalonga de Binissalem en el marco del festival La Lluna en Vers. Hemos hablado con una de ellas, Marta Torrella.

¿Cómo nace la idea de És pregunta y qué os interesaba explorar con este disco?

— Desde antes de empezar a sonar, teníamos muy claro que queríamos hacer un disco sobre el pensamiento trágico y oracular. Nos interesaba reflexionar sobre cómo, como humanidad, nos enfrentamos a la incertidumbre del futuro y a la necesidad constante de querer saber qué nos pasará. A lo largo de la historia hemos buscado mil maneras de prever lo que vendrá, pero, incluso cuando tenemos indicios y profecías, esto casi nunca cambia el desenlace. El disco intenta reflejar diversas maneras de enfrentarse al propio destino y también las diferentes voces que hablan de este devenir.

¿Cómo habéis trasladado este universo conceptual al directo?

— En directo nos interesaba recrear una especie de ritual, casi mágico. Nuestro papel es, de alguna manera, personificar a estos personajes que se enfrentan a un destino que no les agrada o que anuncian lo que está a punto de pasar sin inmutarse mucho. Hace aproximadamente un año y medio que hacemos este concierto y lo hemos llevado por Europa, los Estados Unidos y América Central. Durante este tiempo ha crecido muchísimo. Le hemos ido encontrando nuevos matices, nuevas maneras de conducir al público de una voz a otra, hasta convertir el concierto en una narración completa.

¿Qué lectura hacéis hoy del pensamiento trágico?

— Cuando rascas un poco, lo que acabas encontrando es una aceptación bastante general de la impermanencia y del hecho de que, al final, todo se acaba. Narrativamente, solemos vivir desde el drama, pero a nosotros nos interesaba partir de la tragedia griega, donde los personajes luchan contra su destino sin poder huir de él, porque es irrebatible, para fijarnos sobre todo en una mirada que no juzga lo que pasará y que simplemente asume que es inevitable. Hay muchas maneras de hablar de ello y de enfrentarse a ello, pero todas parten de alguna voz superior que anuncia este destino.

¿Por qué es tan importante la diversidad de lenguas en vuestra música?

— Por un lado, hay una cuestión puramente fonética. Nos gusta entender la voz como un instrumento y cada lengua nos ofrece un color y una sonoridad diferente. Durante el proceso compositivo nos ha pasado de tener una idea y una letra que no acababan de funcionar en una lengua determinada. En Mille risposte, por ejemplo, la letra era inicialmente en castellano, pero había algo que no acababa de encontrar su lugar. Cuando la probamos en italiano, de golpe apareció la energía que buscábamos. Pero también hay una cuestión de significado. Nos interesa incorporar diferentes lenguas, porque cada una tiene una cosmovisión propia. Tanto si entiendes el catalán, el latín o cualquier otra lengua como si no, cada una activa un imaginario y un conjunto de significados diferentes.

¿Qué lecturas, o qué fuentes, ha consultado antes de hacer el disco?

— Sobre todo hay un análisis de la tragedia clásica, especialmente de Sófocles. También nos ha interesado mucho la lectura que hace Nietzsche, cuando plantea que esta estructura es fundacional del pensamiento europeo. A partir de aquí empezamos a buscar otras formas oraculares más allá de la Grecia clásica: el tarot, las sirenas, la Sibila, la lectura del cielo... Queríamos explorar todas estas maneras que las culturas han tenido de relacionarse con el futuro.

Este es el primer disco producido íntegramente por vosotros. ¿Qué ha cambiado?

— En trabajos anteriores habíamos trabajado con otras productoras y productores. Aun así, la filosofía continúa siendo la misma: intentar utilizar el mínimo de ingredientes posibles. Hay canciones más barrocas que otras, pero siempre intentamos producir una pieza y después empezar a quitarle elementos para comprobar si continúa funcionando. Pensamos mucho en el espacio donde suena la música. ¿Qué más suena, además de las dos voces? ¿Cómo podemos generar un elemento teatral o escénico dentro de la cabeza de quien escucha? Nos gusta que, a partir del sonido, empiece una película mental.

¿Cómo entendéis la relación entre el disco y el directo?

— No creemos necesario reproducir el disco tal como es. Cada espacio modifica completamente la experiencia. Llevamos un diseño de luces que nos ayuda a recrear los espacios que imaginamos, pero el escenario, la acústica y la manera como el público ve el concierto acaban definiendo mucho la experiencia. También intentamos adaptarnos a cada lugar, incluso escogiendo un vestuario u otro según el espacio donde actuemos.

¿Os sentís un poco canales, en el sentido de que muchas figuras oraculares lo eran?

— Sí, pero creo que todo el mundo lo es un poco. Hay cosas que sabemos sin saber muy bien de dónde vienen, como si ya estuvieran dentro de las células. Cuando hacemos música tenemos la sensación de que todo ya está dicho y que el trabajo de los artistas es resignificar y reformular cosas que ya existen. A veces tienes la sensación de que alguien te pasa la palabra. No siempre sabes exactamente qué haces, pero la intuición te lleva a ello. En este sentido, sí que hay algo de este papel de canal.