Cuarto y último concierto del Festival Bellver con la Orquesta Sinfónica Illes Balears como protagonista del ya consolidado acontecimiento. Como un bis de la temporada, aunque es otro público, esta circunstancia que acontece según el lugar donde se desarrollan las actividades. En cualquier caso, los cuatro conciertos de la formación en el emblemático castillo ya son tradición y el emplazamiento se llena día sí y día también. El último no fue una excepción y, si hasta ahora los solistas habían sido los protagonistas, para la ocasión fue el director británico Michael Francis el encargado de poner sello al concierto. Sello británico, como también el del programa, formado por tres compositores de la misma nacionalidad y casi de la misma generación, como son Edward Elgar, Benjamin Britten y Ralph Vaughan Williams. Las piezas elegidas se interpretaron por orden cronológico, de manera que se podía atisbar una pequeña evolución de la música clásica en el antiguo imperio en un corto estadio temporal.

Ahora que hemos acabado el curso, los docentes y las familias tenemos más tiempo para la reflexión. Es necesaria, porque somos muchos los profesores que pensamos que vivimos una gran mentira. Parece que la Administración ha elegido encubrir el auténtico nivel de los institutos. Se ha ido fijando, con el tiempo y más por omisión que por acción directa, un listón que los claustros consideramos “rebajado” prácticamente por unanimidad, hecho que devalúa los títulos que se obtienen. Mientras que la escuela debería mitigar las desigualdades y ofrecer oportunidades, los diferentes gobiernos han optado por convertirla en una cortina que oculta la realidad. Una ficción que tapa, especialmente en lugares como Ibiza, el drama de la precariedad laboral y de un mercado de la vivienda imposible; un contexto de individualismo creciente, que aboca a las familias al desarraigo y a la desvinculación de los pueblos y barrios, como también de la lengua y la cultura propias.

Segundo concierto en Bellver. Poco habitual. Especial. Afectuoso. Por diversos motivos. El primero lo encontramos en el solista, Josep Colom, el encargado de interpretar el Concierto para piano núm. 27 K. 595, de Wolfgang Amadeus Mozart. Un músico extraordinario en muchos sentidos, que no es leyenda, sino historia de la música en letras de molde. Pianista excelso y peculiar, tanto, que cada una de sus interpretaciones tiene sello propio sin traicionar el original. El jueves por la noche no fue una excepción, con una cadencia marca de la casa. Incansable. Nunca pararía de tocar. Pero, además, ha sido un docente del que todos los alumnos hablan maravillas y tanto con afecto como con admiración. Pablo Mielgo, desde el atril, explicó que a los 11 años había tocado delante de él y que, por lo tanto, era un honor poder acompañarlo. Su interpretación de este Mozart tardío, a pesar de que tan solo tenía 35 años y le quedaba menos de uno para fallecer, fue minuciosa, pero cuando surgió el mejor Colom fue con el bis, el Rondó en re mayor k. 485, también de Mozart. Fue como si la primera intervención fuera un preparativo. Sin duda que hubiera aumentado el nivel si hubiera continuado tocando. Queda claro que ver y oír a Josep Colom siempre es un lujo y, por descontado, un placer.Otro de los motivos que proclaman los adjetivos lo encontramos en la formación. Algunos miembros de la Sinfónica acompañados de otros de la Pequeña Sinfónica, formada por alumnos de entre 10 y 16 años, a los cuales, además del premio que supone compartir escenario con los ya profesionales, Mielgo inoculó la primera dosis del veneno de los aplausos. Todos demostraron que estaban allí arriba por méritos propios, con algún solo que, con los ojos cerrados, no hubiéramos adivinado quién era el responsable. Un acierto de Mielgo y un aliciente para ellos, que en la segunda parte habían aumentado el número de participantes. Una segunda parte que se inició con una selección de temas de La boutique Fantasque, de Ottorino Respighi, una suite orquestal del ballet inspirado en la música de Rossini. Divertida, alegre, idónea. A continuación, un clásico, El Moldava. Descriptivo, sugestivo, dulce. Todo en orden, incluso un poco sorprendente, el nivel del concierto. Para acabar la fiesta, ritmo, de calidad, el Danzón núm. 2, de Arturo Márquez. No hace falta decir que el castillo volvía a estar lleno hasta la bandera.

El tándem Tchaikovski-Dogadin fue el encargado de inaugurar esta nueva edición del Festival Bellver, como un apéndice de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears, en el marco incomparable, que es un tópico, pero incontestable. Dirigía la función Pablo Mielgo, que de nuevo mostró buena química con el solista de turno. Sergei Dogadin ya había tocado con los mismos acompañantes en dos ocasiones anteriores. La temporada 23/24 interpretó el Concierto para violín, de Alexander Glazunov, y la siguiente fue el encargado de abrir la temporada de la Sinfónica con el Concierto para violín. A la memoria de un ángel, de Alban Berg. El jueves, quiero suponer que con el Domenico Montagnana, del 1721, nos ofreció una pieza más reconocida que las mencionadas, pero con un grado de dificultad superior, tan inmenso como excelso, con el Concierto para violín y orquesta en re mayor op. 35, de Piotr Ilich Tchaikovski, el único que el ruso que muchas veces no lo parecía compuso para este instrumento. 

Cuarenta ediciones y a teatro lleno desde hace muchos años es un buen motivo de alegría y, por supuesto, rubricar la temporada con un Rigoletto una de las mejores maneras de hacer justicia al acontecimiento. También tiene un cierto riesgo. Para conseguir un buen resultado se necesitan voces de gran nivel. Damiano Salerno como Rigoletto y Génesis Moreno como Gilda fueron los encargados de hacerlo y solemnizar la efeméride. Sin duda, brillaron muy por encima del resto de un reparto que tampoco estuvo nada mal. Pero los momentos cumbre de la función se generaron cuando ellos dos eran los grandes protagonistas. Sus duetos fueron antológicos. Comenzaron su recital con el emotivo y delicado Figlia! Mio padre! Continuaron con el descomunal Mio padre!…Tutte la feste al tempio. Encumbraron la tragedia con el dúo final, V’ho ingannato, colpevole fui y Lassú in cielo. Tan solo estos tres momentos serían suficientes para satisfacer a una parroquia que despidió a los protagonistas de pie tras el desesperado gemido de Rigoletto, ‘La maledizione’. Este era el título que quería Giuseppe Verdi. Un detalle sin importancia para una pieza impecable e implacable. Estructuralmente perfecta, lo que obliga a ambos protagonistas a una metamorfosis existencial detallada, minuciosa y, claro está, muy exigente. Tanto Rigoletto como Gilda, el jorobado y la hija, evolucionan, tanto vocal como dramáticamente, a medida que surgen y varían las circunstancias. Salerno y Moreno cumplieron con creces y algo más su cometido. Génesis Moreno, hace dos temporadas, ya había mostrado en el Teatre Principal no pocas de sus virtudes, interpretando la Julieta de Gounod. Por tanto, su elección para protagonizar Gilda no podía ser más acertada. Si toda la actuación fue memorable, una tremenda y descomunal exhibición de calidez, expresividad, coloratura, fiato… dejó a más de uno boquiabierto con un Caro nome inolvidable. Nada que decir, sino todo lo contrario, con las intervenciones de un Damiano Salerno, de voz rotunda y redonda, que con una emotiva y poderosa Cortigiani, vil razza dannata, rica en matices y repleta de dificultades, no nos hizo echar de menos a ninguno de los grandes que han interpretado el personaje más intrincado y complejo de la producción verdiana. Destacan la proyección, el complicado aliaje de virulencia y sutileza y una dicción y vocalización sin mácula.La dicción fue un pequeño obstáculo para Filip Filipovic como Duque de Mantua, considerable con el volumen, pero desigual en el conjunto, dejando la canzonetta que ha quedado como símbolo de la pieza, La donna è mobilie, en una anécdota. La pieza complicada es, siempre y mucho más, Ella mi fu rapita! Correcto Filipovic, aunque en cuanto a su personaje, creo que fue demasiado airado en la concepción de un seductor, ya que actúa como si fuera Gualtier Maldé. A otro nivel, pero adecuado, fue la actuación local, con Begoña Gómez como Maddalena, Irene Mas como paje de la duquesa y Cristòfol Romaguera como Conde Ceprano. Por otra parte, Toni Marsol fue un Monterone eficiente y expedito, mientras que para el Sparafucile de Niall Anderson no hacía falta ir tan lejos. La orquesta, dirigida por Oliver Díaz, y el coro masculino del Teatre Principal cumplieron con nota, mientras que la puesta en escena de Elena Barbalich, en la producción que llega de Pavía, Como, Brescia, Cremona, Bérgamo y Toulon, combinó un vestuario de época con unas estructuras metálicas muy contemporáneas, estéticamente efectistas, pero que sobre todo servían para delimitar con mucha eficacia cada espacio donde transcurre la acción en cada momento. Gran noche de ópera.

Los Orbitans continúan con su alternativo camino teatral. Si su reducto habitual han sido y son las barras de bar de no pocas calles de Ciutat, hace poco exploraron otro territorio para otro tipo de dramaturgias y, sin duda, para su público, ya consolidado. La primera prueba tuvo lugar en la habitación de un hotel, el Ars Magna, con el título de Píccolo. Un éxito. Por ello un segundo ensayo, en el mismo lugar y con no pocas garantías, que con el título Estranyes visites ha escrito y dirige Javier Gato Matesanz, protagonizada por Mariona Hauf y Joan Manel Vadell. 

Los Estunmen llegan a los Teatros del Canal después de pasar por El Lliure de Barcelona con todas las bendiciones y el visto bueno del Liceu y del Real, pero con las reticencias de cómo si un producto de estas características aún no tuviera suficientes garantías para ser representado en las casas principales. Quizás solo sean prejuicios, algo que no se entiende después de haber visto en la casa grande, en ambas y en muchas más, alguna creación operística que “deunidó”. Queda claro que los progenitores de la criatura, Nao Albet y Marcel Borràs, han jugado el rol -que también es un juego que encaja a la perfección con este bebé- de la transgresión y lo anuncian ya desde el título. Els estunmen no es otra cosa que la pronunciación de los stuntmen, los especialistas, los dobles de los protagonistas, los que están ahí y hacen como si lo fueran. Los capataces, Albet y Borràs, dicen que es una ópera y seguramente tienen razón y razones para clasificarla dentro de este género, donde la contemporaneidad siempre encuentra barreras casi infranqueables. La música la firma Fernando Velázquez, que en lugar de transgredir hace una precisa y adecuada aleación de no pocas épocas operísticas, aunque si la historia habla, entre muchas otras cosas, de héroes, ¿quién mejor que Wagner como gran fuente de inspiración. Por eso, y por muchas cosas más, estamos ante una guesamcunstverq, que es como se pronuncia la obra de arte total que predicaba el señor de Bayreuth.

Aunque ya son quince años desde que partió Alexandre Ballester, siempre estará presente en la memoria de los que gozamos de su traza, gracia y perspicacia. Que el teatro Principal Palma decida ponerlo al alcance de todos los que no tuvieron nuestra ventura es, sin duda, no solo un acierto, sino también un merecido homenaje. La producción, por otra parte, es de las de renombre, una escenografía grandiosa, con el inconveniente de la movilidad para que pueda ir a otros escenarios de la isla, y un reparto de lujo, encabezado por Miquel Àngel Torrens, junto con Luca Bonadei, Mariona Hauf, Sofía Muñiz, Maria Rosselló, Josep Orfila y Patxi Arostegui. La obra, Un baúl amarillo para Nofre Taylor, que en su día Joan Lluís Bozzo puso sobre los escenarios alternativos catalanes, un poco antes de la creación de Dagoll Dagom, había quedado en el fondo del baúl de las piezas olvidadas. Marga López ha sido la encargada de este rescate, de este hiperrealista retrato de la condición humana, porque eso es, y no otra cosa, la pieza de Ballester. Todos los rasgos del rico y poderoso no han cambiado ni poco ni nada, porque ya eran así desde que el tiempo es tiempo. Esta sería una lectura cuidadosa, pero sencilla, porque los súbditos de los emperadores/empresarios también juegan el mismo rol de siempre, el de la sumisión. Aún más, a todos y cada uno de los personajes que van apareciendo podríamos ponerles nombre y apellidos de algún conocido, tan conocido que, a lo mejor, son los nuestros. El pincel de Ballester no dejaba nunca ningún rincón sin pintar.

Dice el programa de mano de Calidoscopi, la última criatura de Estudi Zero, que “los personajes se mueven por situaciones absurdas, violentas o profundamente humanas”. Cierto, pero aún lo sería mucho más si la conjunción fuera copulativa en lugar de disyuntiva. Si las situaciones son absurdas y violentas queda claro que son indiscutiblemente muy humanas. La caricatura no desvirtúa la realidad sino que la acentúa, de tal manera que este punto tan osado, irracional y estrambótico hace que el metafórico dibujo de la condición humana llegue con más eficacia. Que la función esté compuesta por diferentes pequeñas historias aporta sello Sans, de tal manera que nos transporta a aquel viaje que en esta misma sala pilotaba Karl Valentin. Para la ocasión son diversos los autores que figuran en la nómina de Calidoscopi –Esteve Soler, Juan Mayorga y Joël Pommerat–, que hace que el talante de los diferentes sketches suban un poco mucho el calor de cada uno. No hay humor blanco. Todos contienen una elevada dosis de veneno, en la misma proporción que de causticidad y sarcasmo y sin miedo de traspasar líneas rojas.La primera historia, la del hombre a quien un autobús ha pasado por encima, de la que ya no diré más porque sería spoiler, marca el talante de la función. Humor negro en estado puro. La crueldad humana o la falta de humanidad, que en este caso es lo mismo, lucen con todo el esplendor. La de la pareja que confiesa a su hijo de veinte años que no fue un hijo deseado, aumenta exponencialmente la porción de inhumanidad. La del vendedor de cualquier cosa que podáis imaginar es un espejo dirigido hacia el patio de butacas. Y así sucesivamente. Todo ello, redondeado con un número musical que interpreta Dominic Hull, un My way al más puro estilo crooner, acompañado por el resto del reparto y vestidos como lo hacía Fortunio Bonanova and the Glamouramas en sus gloriosos años norteamericanos. Naturalmente en un conjunto tan diverso no resulta sencillo encontrar el punto ideal de homogeneidad, pero, aun así, la función atesora suficiente uniformidad, tanto en las diferentes historietas como en la interpretación de los siete protagonistas, que en tan maratoniana función se convierten en un inmenso montón de personajes, vestidos siempre de muy diferente manera. Tan solo un pequeño pero, las pelucas no son muy necesarias. Con los diferentes cambios de registro, que los hay, basta.

El monumental claustro de Sant Bonaventura acogió la Ceremonia de los derviches giróvagos, organizada por la Fundació Toni Catany, quien, como dice el programa de mano, fue un enamorado de las culturas del Mediterráneo, que pisó y de las cuales dejó testimonio artístico en incontables series fotográficas. No es un espectáculo, estoda una experiencia litúrgica, como muy bien explicó Halil Bárcena, el director del Institut d’Estudis Sufís de Barcelona, poco antes de dar curso a este Sêma: El viaje sufí, a cargo de la Neva Sufi Ensemble. Un grupo integrado, por un lado, por cuatro músicos con sus instrumentos tradicionales, el ney, el qanun, el ud y el bendir —más o menos, una flauta, una cítara trapezoidal, un laúd árabe y un tambor— también encargados de poner voz a los selam, la salutación en turco. Por otro lado, los semazens, derviches danzantes, otros cuatro, que van repitiendo los giros, siempre de izquierda a derecha, con la mano derecha girada hacia el cielo y la izquierda hacia tierra, la manera de establecer un vínculo entre el alma y el cuerpo, entre lo divino y lo humano.Decía Robert Graves en el prólogo deLos sufíes, del pensador fundacional Idries Shah, que “el sufismo representaba una corriente de iluminación interior centrada en el amor y el conocimiento de uno mismo, libre de dogmas opresivos”. Todo esto quedó patente en esta representación de la música y los bailes de la tradición clásica sufí mevleví. El recinto, lleno; el silencio, absoluto, reverencial. Como si se tratase de un oficio con toda su carga mística. Los ascéticos movimientos de los derviches se encargaban de marcar la idiosincrasia espiritual de la función, al mismo tiempo que exhibían una cadencia tanto estética como sobria y cenobítica.La música, emotiva y profunda, con las tradicionales frases melódicas de los maqamat, las cuales, mientras las voces salmodiaban los nombres de los profetas, aportaban a la representación la aleación pura y trascendente entre unos y otros. Era la sensación de que todo ello era mucho más de lo que nuestros sentidos podían captar en una primera instancia. Fue un homenaje, adecuado y emotivo, pero también una puerta abierta a otra manera de ver y vivir.

El reto tenía mucho de riesgo. La liaison entre el teatro Principal de Inca y la Orquestra de Cambra de Mallorca está recogiendo cada vez más sabrosos frutos. Dicho esto, hay que alabar esta última hazaña, que sin duda no será la última ni de lejos, como es ahora la completa escenificación del Così fan tutte, de Mozart, con tan solo unos pequeños y nada trascendentes cortes argumentales con los cuales, por otra parte, han conseguido dar mucha fluidez a la narración y hacen que todo transcurra con la máxima naturalidad para una historia que, como casi todas las comedias bufonescas, no pretende ningún tipo de verosimilitud ni credibilidad. La pretensión está en el trasfondo de la trama, que, en este caso, va bien repleta de lecturas. Tanto es así que Miquel Àngel Raió, el director artístico de este suceso, en la medida de lo posible, ha cambiado el discurso, salvando un poco lo que hacen “todas”. No era sencillo ganar un pulso a Lorenzo da Ponte. Lo dejaremos en tablas. Raió, donde sí ha sido indiscutiblemente fundamental ha sido en la puesta en escena y todo lo que tiene que ver con el envoltorio –idóneo, sencillo y eficiente–, en la muy cuidada dirección de actores y todos los demás elementos que, con la colaboración escenográfica y estilista de Adema, hacen que todo funcione sin trabas ni treguas. Incluso de la incorporación de los tres bailarines saca provecho argumental.

Tomar los clásicos y a partir de ahí contar lo que quieres contar ha sido el truco argumental con el que Miquel Mas Fiol ha montado esta Trilogía de la Condición 'Millennial'. El autor y director no se ha andado con chiquitas. La primera víctima fue Voltaire; la segunda, Goethe, y la tercera, Victor Hugo. Cándido o el optimismo, Las penasdel joven Werther y esta última, Los miserables, han sido el MacGuffin para que el autor lance su discurso, basado en pasarlo bien sin dejar ni un pelo sobre los hombros de nadie. Ni una caña en pie, sin excepciones. La primera, la suya, desde antes de empezar la función, con dos de los protagonistas lanzando invectivas contra el autor. Desde abusador hasta explotador… mientras la gente entraba al recinto. Esta es su licencia, el salvoconducto que le permite zurrar sin piedad, a tort y a derecho, fuera de líneas rojas.

Noveno concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears en el Auditorium de Ciutat, que se inició con el peculiar , del compositor finés Einojuhani Rautavaara, a las órdenes de un director de enorme presencia en todos los sentidos, como es el noruego Rune Bergmann. Él fue, sin duda, quien convirtió el concierto en un espectáculo de unas dimensiones que se corresponden con las suyas. Justo después de la ornitológica composición llegó el primer plato fuerte del programa, con la pianista Olga Kern como gran protagonista, para interpretar el Concierto para piano y orquesta en la menor op. 54, de Robert Schumann. Inició el primer movimiento, con un estilo muy sólido, un poco rocoso, y una pulsación muy firme, desde la decidida entrada del piano, con una marcial y poderosa sucesión de acordes descendentes, hasta llegar a la poliédrica cadencia del final, desde donde aumentó la coloratura de la composición, con tanta precisión como elegancia. Su interpretación iba subiendo el nivel y la delicadeza, como por ejemplo, con el andantino grazioso, un divertido diálogo entre la orquesta y el piano que, poco a poco, se fue convirtiendo en un tierno y sutil monólogo del instrumento solista. Kern dejó clara su maestria y capacidad para sugerir toda esta serie de variaciones y estilos que Schumann incorporó a la partitura, de manera muy novedosa en su momento. La solista, de nuevo, retomó el tono enérgico del comienzo, en un tercer movimiento impetuoso, cuando, de golpe, estableció un delicioso nuevo diálogo, esta vez con el oboe, como un anuncio de la excepcional coda final que tan solo se puede calificar de excepcional y que sirvió a la protagonista para recibir los entusiastas aplausos del público. Como debía ser y todo el mundo esperaba, hubo bis, primero un , de Claude Debussy, que nunca decepciona ni deja indiferente. Impecable. Y ante la plegaria en forma de ovación, otra pequeña perla, de Nikolái Miaskovski, un arreglo para piano de Joseph Horovitz.

Impulsada por Celestí Alomar, conseller de Turismo del primer Pacte de Progrés (1999-2003), se aprobó el día 10 de abril del 2001, hace veinticinco años, un impuesto sobre estancias turísticas, conocido de inmediato como ‘la ecotasa’. Gravaba, aproximadamente un euro por noche, la estancia de los turistas. Con la recaudación se querían corregir algunas externalidades negativas del turismo de masas en las Baleares. No entró en vigor hasta mayo del 2002 a causa de un recurso al Tribunal Constitucional, interpuesto por el gobierno de Aznar. Cuando el Partido Popular ganó las siguientes elecciones, en el año 2003, derogó el impuesto, dado que lo consideraba un freno para la competitividad turística. Quien defendió la supresión del impuesto dijo que no podía calificarse ni de ecológico, ni de medioambiental, y que ni siquiera era una tasa, argumentaba: “No era más que un símbolo de una política de mensajes negativos a lo que suponía el turismo”. Y relacionó la aplicación de la ecotasa con el descenso en la llegada de turistas y con los problemas que había vivido el sector hotelero. El Gobierno de Jaume Matas quiso sustituirla por unas llamadas tarjetas verdes o fundaciones ‘sostenibles’ que tan solo recaudaron miseria.

La pregunta del titular no tiene respuesta, pero el biógrafo de Verdi, Julian Budden, sentenciaba que era en el Réquiem donde mostraba la mayor concentración de su genio. De entre tantas misas de difuntos que habitan el universo de la música no resulta muy difícil pensar, con muchos elementos de juicio, que este que nos ocupa es el más complejo, monumental y antológico de todos ellos. No era un terreno que hubiera cultivado mucho Giuseppe Verdi. Fue su participación, con un Libera me Domine, que, junto con otros doce compositores, dedicaron a Gioachino Rossini, el cisne de Pesaro. Una piezaque no se estrenó ni siquiera cuando estaba prevista su primera interpretación, la conmemoración del primer año de la muerte de quien iba dedicado. Verdi lo rescató cuando decidió dedicar el suyo a Alessandro Manzoni. Así comenzó la historia de este colosal rascacielos musical del cual disfrutamos como sexto concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears, junto con el coro UIB, dirigido por Núria Cunillera, Mira Alkhovix, soprano; Sílvia Tro Santafé, mezzosoprano; Antoni Lliteres, tenor, y Simón Orfila, bajo. Dirigía el evento Pablo Mielgo.

Concierto de quienes hacen afición. Quizá por eso y porque había muchos niños, alumnos del Conservatorio, el Auditorium del paseo Marítim presentaba un aspecto que gozaba. El programa era jugoso, goloso de pies a cabeza. Empezó con elApertura núm. 3, de Leonora, la que Beethoven consideraba demasiado importante e imponente como para que perdiera relevancia como inicio de una ópera, la única que compuso, Fidelio, que primero debía decirse como la pieza que nos ocupa. Y así, imponente, con cal y corresponde, sonó el prólogo del séptimo concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears, dirigida por Pablo Mielgo. Una presentación mayestática, incluso diría que con un talante especial por parte del director I los sesenta músicos que le acompañaron en esta velada tan especial a la hora de interpretar tan precisa sinopsis musical de lo que sería la única composición operística del genio de Bonn. Quedaba claro que había ganas de agradar un poco más que siempre y lo dejaron claro desde los primeros compases.

Vuelve al Gran Teatro del Liceo Manon Lescaut, de Puccini, y lo hace con una cabeza de cartel seguramente insuperable, como es el hecho de que la protagonista sea una Asmik Grigorian esplendorosa, cuyo montaje firma Àlex Ollé y dirige desde el foso Josep Pons. La segunda versión musical de la novela de Antoine François Prévost, que con el título de La historia del caballero des Grieux y Manon Lescaut, el maestro de Lucca logró el primer gran éxito de público. Un éxito que la cúpula de Ricordi, menos su cappadre y el amo, no veía claro por tratarse de la misma historia que diez años antes había subido a los escenarios Jules Massenet con no poca aceptación. Aunque todavía hay quien dice que Manon sólo hay una y no se refieren a la que nos ocupa, indudablemente ésta ya tiene su sitio entre las que no han quedado fuera de los grandes circuitos. Que Manon sea ​​la Grigorian es un valor añadido, tanto en lo que se refiere a la parte dramática, en este caso imprescindible, como para la vocal, con una interpretación, excelsa, impecable.

En Ibiza hay dos cines comerciales en activo, el cine Regio de San Antonio de Portmany, de propiedad familiar, y el conocido como 'multicinas' de Vila, propiedad de Aficine, la mayor empresa y casi la única de exhibición de Baleares. Es un balance magro, alineado con la reducción de salas y aforos que se registra en España desde hace años. Ambas empresas resisten cómo pueden la actual mediocridad de Hollywood y la presión de las plataformas como Netflix. En cambio, si se pone a contar festivales de cine, se diría que los ibicencos son unos fanáticos del séptimo arte: Ibicine, Ibizacinefest, Ibiza Halloween Festival, Festival dolor de cabeza, Muestra de cortos de las fiestas de San Bartolomé... Sin incluir alguna otra muestra nacida fuera de la isla, como el MECAL Air Ib MECAL.

En el mundo hay dos cosas eternas: Roma y el paradero de Eivissa. La decisión de construir un paradero en Dalt Vila se anunció en 2004, en 2008 se puso la primera piedra, en 2012 se paró porque se encontraron restos arqueológicos –¿cómo? ¿En Dalt Vila? ¡Increíble!–, se rehizo el proyecto y se reanudó en el 2019, y, finalmente –22 años y 47 millones de euros después–, el lunes 23 de febrero de 2026, se inaugurará.

Podríamos poner muchos ejemplos que constatan la certeza del título, pero sólo con las tres últimas óperas que he podido ver estos días cualquier duda se desvanece enseguida. Primero fue el Gotterdämerung de Wagner, donde queda claro que la trágica y primordial protagonista es ella, Brünhilde. No lo es nada menos que Senta, quien encabeza el reparto de El holandés errante, que pudimos disfrutar en el teatro Principal de Ciudad. Para redondear la semana, en el Gran Teatre del Liceu, quien lleva el estandarte es quien da título a la obra, La Gioconda. Una composición, la única conocida de Amilcare Ponchielli, sin embargo, aun así, una indiscutible obra maestra que necesita seis voces de primer nivel para llegar a puerto sana y salva, como así fue en cuanto a la producción entre el Liceo y el Teatro de San Carlo de Nápoles, dirigida escenográficamente por Romain Gilbert. Basada en un drama de Victor Hugo, Angélo, tyran de Padoue, a la cual Arrigo Boito, autor de los libretos de las últimas y entre las mejores valoradas óperas de Verdi, bajo el seudónimo de Tobia Gorrio, trasladó a Venecia. Un aspecto que Gilbert ha configurado con total y absoluta fidelidad, añadiendo unas pinceladas de la conmedia del arte, con la inclusión de el Arlequín, Pantaleón y Colombina, además de alguna licencia argumental, como es ahora y entre otros, la aparición final de La Cieca, a cargo de una Violeta Urmana que aún conserva no pocas de sus cualidades y sobre todo la eficacia para dibujar con precisión las indispensables características del personaje.