Fin de fiesta, fiesta mayor, con un Falstaff de auténtico lujo, que, además, seguramente nunca olvidaremos, porque es la última ópera que dirige Josep Pons como director artístico del Gran Teatre del Liceu. Por lo tanto, una despedida entrañable para quien durante 14 temporadas nos ha regalado muchas tardes memorables. Una de ellas, sin duda, esta tercera función, la segunda del primer reparto de la última ópera de Giuseppe Verdi. Él decía que la escribía tan solo para divertirse. Su libretista, el imprescindible Arrigo Boito, decía que “quería mojar la naranja shakesperiana sin dejar que los inútiles huesos cayeran dentro del vaso… Esto es muy difícil, pero debe parecer fácil”. Los que saben dicen que es la mejor de sus creaciones, junto con el Réquiem y la ópera anterior, Otelo. Ahora no entraremos en la diatriba de los rankings, que van contra la esencia del arte, pero no es menos cierto que no tiene el tirón de muchas otras del maestro de Busseto en la memoria de todos. En cualquier caso, más o menos comercial, de lo que no hay duda es que se trata de una indiscutible obra maestra. Una buena prueba es la producción del Teatro Real, de la Monnaie de Bruselas, de la Opera National de Bordeaux y de la Tokyo Nikkita Opera Foundation dirigida por Laurent Pelly, que pudimos ver en Madrid hace seis temporadas.Es, sin duda, todo un privilegio poder disfrutarla con el mejor Falstaff posible, Luca Salsi, y sin olvidar que es Ambroggio Maestri el otro encargado de interpretar al famoso personaje, tan celebérrimo que hace acto de presencia en tres piezas de Shakespeare, en las dos de Enrique IV y en Las alegres comadres de Windsor, inmortalizado por Orson Welles en el cine. Aunque se trata de un personaje tan cómico como patético, lo más sencillo sería convertirlo en una caricatura, pero Pelly acierta en el tono y sus características se convierten en un retrato muy acurado y con mucha más profundidad y sustancia de lo que se podría averiguar en una primera aproximación. Salsi, incommensurable, de principio a fin, de pies a cabeza, brillante con la declaración de principios del fanfarrón, L’Onore! Ladri!, una explosión de contrastos con que se abre la función. El listón, muy alto. Los otros no bajaron el nivel, como es ahora el Fenton de Lucas Maechem, con la misma dosis de presencia escénica que su “contrincante”. La Nannetta de Serena Sáenz y la Alice de Carolina López Moreno, impecables y con la gracia que necesitan ambos personajes. Todo compensado, todos se convierten en el complemento perfecto de los otros, pero hay que decir que la Quickly de Daniela Barcelona tenía valor añadido. Con cada intervención hacía más gracia que a la anterior. Obra coral con una distribución de protagonismo casi perfecta y con una producción en que todo estaba al punto. Como era de esperar, Josep Pons, ya había arreglado cualquier posible pequeño desajuste del día del estreno, ofreciendo una lectura impecable de una partitura con mucha diversidad armónica, que concluye con la presencia del coro, tan mínima como eficaz.

Cuarenta ediciones y a teatro lleno desde hace muchos años es un buen motivo de alegría y, por supuesto, rubricar la temporada con un Rigoletto una de las mejores maneras de hacer justicia al acontecimiento. También tiene un cierto riesgo. Para conseguir un buen resultado se necesitan voces de gran nivel. Damiano Salerno como Rigoletto y Génesis Moreno como Gilda fueron los encargados de hacerlo y solemnizar la efeméride. Sin duda, brillaron muy por encima del resto de un reparto que tampoco estuvo nada mal. Pero los momentos cumbre de la función se generaron cuando ellos dos eran los grandes protagonistas. Sus duetos fueron antológicos. Comenzaron su recital con el emotivo y delicado Figlia! Mio padre! Continuaron con el descomunal Mio padre!…Tutte la feste al tempio. Encumbraron la tragedia con el dúo final, V’ho ingannato, colpevole fui y Lassú in cielo. Tan solo estos tres momentos serían suficientes para satisfacer a una parroquia que despidió a los protagonistas de pie tras el desesperado gemido de Rigoletto, ‘La maledizione’. Este era el título que quería Giuseppe Verdi. Un detalle sin importancia para una pieza impecable e implacable. Estructuralmente perfecta, lo que obliga a ambos protagonistas a una metamorfosis existencial detallada, minuciosa y, claro está, muy exigente. Tanto Rigoletto como Gilda, el jorobado y la hija, evolucionan, tanto vocal como dramáticamente, a medida que surgen y varían las circunstancias. Salerno y Moreno cumplieron con creces y algo más su cometido. Génesis Moreno, hace dos temporadas, ya había mostrado en el Teatre Principal no pocas de sus virtudes, interpretando la Julieta de Gounod. Por tanto, su elección para protagonizar Gilda no podía ser más acertada. Si toda la actuación fue memorable, una tremenda y descomunal exhibición de calidez, expresividad, coloratura, fiato… dejó a más de uno boquiabierto con un Caro nome inolvidable. Nada que decir, sino todo lo contrario, con las intervenciones de un Damiano Salerno, de voz rotunda y redonda, que con una emotiva y poderosa Cortigiani, vil razza dannata, rica en matices y repleta de dificultades, no nos hizo echar de menos a ninguno de los grandes que han interpretado el personaje más intrincado y complejo de la producción verdiana. Destacan la proyección, el complicado aliaje de virulencia y sutileza y una dicción y vocalización sin mácula.La dicción fue un pequeño obstáculo para Filip Filipovic como Duque de Mantua, considerable con el volumen, pero desigual en el conjunto, dejando la canzonetta que ha quedado como símbolo de la pieza, La donna è mobilie, en una anécdota. La pieza complicada es, siempre y mucho más, Ella mi fu rapita! Correcto Filipovic, aunque en cuanto a su personaje, creo que fue demasiado airado en la concepción de un seductor, ya que actúa como si fuera Gualtier Maldé. A otro nivel, pero adecuado, fue la actuación local, con Begoña Gómez como Maddalena, Irene Mas como paje de la duquesa y Cristòfol Romaguera como Conde Ceprano. Por otra parte, Toni Marsol fue un Monterone eficiente y expedito, mientras que para el Sparafucile de Niall Anderson no hacía falta ir tan lejos. La orquesta, dirigida por Oliver Díaz, y el coro masculino del Teatre Principal cumplieron con nota, mientras que la puesta en escena de Elena Barbalich, en la producción que llega de Pavía, Como, Brescia, Cremona, Bérgamo y Toulon, combinó un vestuario de época con unas estructuras metálicas muy contemporáneas, estéticamente efectistas, pero que sobre todo servían para delimitar con mucha eficacia cada espacio donde transcurre la acción en cada momento. Gran noche de ópera.

Los Orbitans continúan con su alternativo camino teatral. Si su reducto habitual han sido y son las barras de bar de no pocas calles de Ciutat, hace poco exploraron otro territorio para otro tipo de dramaturgias y, sin duda, para su público, ya consolidado. La primera prueba tuvo lugar en la habitación de un hotel, el Ars Magna, con el título de Píccolo. Un éxito. Por ello un segundo ensayo, en el mismo lugar y con no pocas garantías, que con el título Estranyes visites ha escrito y dirige Javier Gato Matesanz, protagonizada por Mariona Hauf y Joan Manel Vadell. 

Aunque ya son quince años desde que partió Alexandre Ballester, siempre estará presente en la memoria de los que gozamos de su traza, gracia y perspicacia. Que el teatro Principal Palma decida ponerlo al alcance de todos los que no tuvieron nuestra ventura es, sin duda, no solo un acierto, sino también un merecido homenaje. La producción, por otra parte, es de las de renombre, una escenografía grandiosa, con el inconveniente de la movilidad para que pueda ir a otros escenarios de la isla, y un reparto de lujo, encabezado por Miquel Àngel Torrens, junto con Luca Bonadei, Mariona Hauf, Sofía Muñiz, Maria Rosselló, Josep Orfila y Patxi Arostegui. La obra, Un baúl amarillo para Nofre Taylor, que en su día Joan Lluís Bozzo puso sobre los escenarios alternativos catalanes, un poco antes de la creación de Dagoll Dagom, había quedado en el fondo del baúl de las piezas olvidadas. Marga López ha sido la encargada de este rescate, de este hiperrealista retrato de la condición humana, porque eso es, y no otra cosa, la pieza de Ballester. Todos los rasgos del rico y poderoso no han cambiado ni poco ni nada, porque ya eran así desde que el tiempo es tiempo. Esta sería una lectura cuidadosa, pero sencilla, porque los súbditos de los emperadores/empresarios también juegan el mismo rol de siempre, el de la sumisión. Aún más, a todos y cada uno de los personajes que van apareciendo podríamos ponerles nombre y apellidos de algún conocido, tan conocido que, a lo mejor, son los nuestros. El pincel de Ballester no dejaba nunca ningún rincón sin pintar.

Mientras el Teatre i l’Auditori de Manacor se enfrentan a un importante cambio de etapa con el cambio de gerente, después de casi 40 años con Tomeu Amengual al frente, el teatre Principal d’Inca consolida un público que, desde la inauguración en 2021, no ha dejado de aumentar. Si la temporada 2022-2023 se cerró con 28.000 asistentes, la del 2024 - 2025 acabó con más de 34.000. Muchos de ellos, además, inquenses. “Cada vez hay más gente de Inca que viene al teatro, que confía en las propuestas que hacemos, pero como también crece el público del resto de la isla, los porcentajes hacen que el aumento de público local, que era uno de los principales objetivos a conseguir, quede desdibujado”, expone Miquel Àngel Raió, director del centro desde septiembre de 2022. “Está claro que querríamos conseguir un modelo como el de Manacor, con más del 50% del público local, pero ahora nos movemos en otros porcentajes. Tenemos un 30% de gente de Inca y un 70% de gente del resto de Mallorca”, concreta.

Todavía hoy, el festival que recuerda a Alexandre Ballester en sa Pobla, del cual apenas se ha llevado a cabo la sexta edición, se llama Albopàs, el nombre de la villa al revés: un término que él acuñó, como una especie de recreación mágica poblera, y un país donde ambientó un buen puñado de sus obras. Recordamos a este creador escénico precisamente cuando el teatro Principal de Palma está a punto de estrenar una nueva versión de Un baúl amarillo para Nofre Taylor, una de sus obras más destacadas.

La actriz menorquina Laura Pons ha sido galardonada con el premio ATAPIB 2025 a mejor intérprete femenina por su papel en la obra Laura, en la vigésima edición de la gala de los premios de la Asociación de Teatros y Auditorios Públicos de las Islas Baleares (ATAPIB), que se ha celebrado en el Teatre Principal de Inca.

Tomar los clásicos y a partir de ahí contar lo que quieres contar ha sido el truco argumental con el que Miquel Mas Fiol ha montado esta Trilogía de la Condición 'Millennial'. El autor y director no se ha andado con chiquitas. La primera víctima fue Voltaire; la segunda, Goethe, y la tercera, Victor Hugo. Cándido o el optimismo, Las penasdel joven Werther y esta última, Los miserables, han sido el MacGuffin para que el autor lance su discurso, basado en pasarlo bien sin dejar ni un pelo sobre los hombros de nadie. Ni una caña en pie, sin excepciones. La primera, la suya, desde antes de empezar la función, con dos de los protagonistas lanzando invectivas contra el autor. Desde abusador hasta explotador… mientras la gente entraba al recinto. Esta es su licencia, el salvoconducto que le permite zurrar sin piedad, a tort y a derecho, fuera de líneas rojas.

El festival de verano La Lluna en Vers vuelve este 2026 a Mallorca con una programación de 14 noches de cultura al aire libre repartidas entre diferentes puntos de la isla y una imagen marcada por el eclipse del 12 de agosto, que este año inspira el relato visual y simbólico del proyecto.

Antes se llamó Casa de las Comedias y el edificio actual se construyó en el siglo XIX. Pero el teatro Principal de Palma está en el mismo emplazamiento donde ya se representaban espectáculos en el s. XVII. Ya son 359 años de hacer comedia en un mismo sitio, junto a donde antes pasaba la Riera, que da nombre a la calle donde se ubica. Cuando estamos a punto de celebrar el Día mundial del teatro, como cada 27 de marzo, recorremos la historia de ese escenario.

Vuelve al Gran Teatro del Liceo Manon Lescaut, de Puccini, y lo hace con una cabeza de cartel seguramente insuperable, como es el hecho de que la protagonista sea una Asmik Grigorian esplendorosa, cuyo montaje firma Àlex Ollé y dirige desde el foso Josep Pons. La segunda versión musical de la novela de Antoine François Prévost, que con el título de La historia del caballero des Grieux y Manon Lescaut, el maestro de Lucca logró el primer gran éxito de público. Un éxito que la cúpula de Ricordi, menos su cappadre y el amo, no veía claro por tratarse de la misma historia que diez años antes había subido a los escenarios Jules Massenet con no poca aceptación. Aunque todavía hay quien dice que Manon sólo hay una y no se refieren a la que nos ocupa, indudablemente ésta ya tiene su sitio entre las que no han quedado fuera de los grandes circuitos. Que Manon sea ​​la Grigorian es un valor añadido, tanto en lo que se refiere a la parte dramática, en este caso imprescindible, como para la vocal, con una interpretación, excelsa, impecable.

Podríamos poner muchos ejemplos que constatan la certeza del título, pero sólo con las tres últimas óperas que he podido ver estos días cualquier duda se desvanece enseguida. Primero fue el Gotterdämerung de Wagner, donde queda claro que la trágica y primordial protagonista es ella, Brünhilde. No lo es nada menos que Senta, quien encabeza el reparto de El holandés errante, que pudimos disfrutar en el teatro Principal de Ciudad. Para redondear la semana, en el Gran Teatre del Liceu, quien lleva el estandarte es quien da título a la obra, La Gioconda. Una composición, la única conocida de Amilcare Ponchielli, sin embargo, aun así, una indiscutible obra maestra que necesita seis voces de primer nivel para llegar a puerto sana y salva, como así fue en cuanto a la producción entre el Liceo y el Teatro de San Carlo de Nápoles, dirigida escenográficamente por Romain Gilbert. Basada en un drama de Victor Hugo, Angélo, tyran de Padoue, a la cual Arrigo Boito, autor de los libretos de las últimas y entre las mejores valoradas óperas de Verdi, bajo el seudónimo de Tobia Gorrio, trasladó a Venecia. Un aspecto que Gilbert ha configurado con total y absoluta fidelidad, añadiendo unas pinceladas de la conmedia del arte, con la inclusión de el Arlequín, Pantaleón y Colombina, además de alguna licencia argumental, como es ahora y entre otros, la aparición final de La Cieca, a cargo de una Violeta Urmana que aún conserva no pocas de sus cualidades y sobre todo la eficacia para dibujar con precisión las indispensables características del personaje.

Veintiocho ediciones contemplan las barras de los diferentes bares de Ciutat que a lo largo de los años se han convertido en madrigueras teatrales, donde el jueves tras el jueves se van llenando para disfrutar de estas pequeñas grandes historias con una cerveza en la mano y una tapa en la boca. El tema para la ocasión da para mucho, el turismo, del que ni uno de los autores ha hecho apología ni nada que se le parezca. Por otra parte, recomendar alguna en detrimento de otra se hace más difícil que nunca.

Animula, vagula, blandula/ Hospes comesque corpóreos/ Quae nunc abibis in loca/ Pallidula, rigida, nudula, Neco, ut solas, dabis yocos… Así comienza el poema fúnebre que escribió el emperador Adriano y que inspiró a Marguerite Yourcenar para sus Memorias, como una hipotética carta de despedida que escribe a su joven sucesor, Marc Aureli. Una prenda que en su momento fue de obligada y deliciosa lectura. Años después, nada menos que Maurizio Scaparro se encargó de llevarlas encima de un escenario con una adaptación de Jean Launay, protagonizada por Giorgio Albertazzi, la cual pudimos ver en el madrileño Teatro Albéniz. El propio director la recuperó en castellano, protagonizada por José Sancho, con quien recorrió buena parte de la península Ibérica.

Inquilina es la última cucavela teatral de la calórica Julia Truyol. Ella siempre elige bien, desde la compañía con la que se han convertido en referente canónico a otros. Su listón está muy arriba y en esta ocasión, de nuevo, lo ha vuelto a franquear con esa naturalidad interpretativa que es marca de la casa. Sin embargo, Inquilina es un reto con algunos tirabuzones añadidos, en el que se necesitan muchos elementos en torno a la historia para que el proyecto llegue a buen puerto. En primer lugar, un buen texto, a partir de una situación a la orden del día, como es el hecho de que un inquilino eche a la inquilina fruto de la desmesura, por decirlo de alguna manera, en la que vivimos ya la que incluso nos hemos acostumbrado como si nada, encogiendo los hombros y uno que le haremos. Poner esta cotidiana circunstancia sobre un escenario tiene el riesgo de convertirla en una pieza costumbrista. No es el caso. Por otro lado, un monólogo necesita muchos alicientes para no adormecer al respetable, que obliga a la protagonista a dar toda una serie de saltos mortales que tan sólo se pueden superar con todo un surtido de registros a un ritmo, si no frenético, con muchas revoluciones, cambiando el tono, yendo desde la desesperación hasta el conformismo, desde el protagonista talante.

El Teatre del Mar ha presentado su temporada de invierno 2026 con una programación que consolida su singular modelo cultural, basado en la combinación de creación contemporánea, teatro social, educación y residencias artísticas. La propuesta reivindica la escena como un espacio de pensamiento crítico, cohesión comunitaria y riesgo artístico, con una mirada arraigada en el territorio y abierta a la transformación social.

Si me dieran a elegir una obra de teatro, sólo una, seguro que sería Cyrano de Bergerac, de Edmond Rostand, como estoy casi seguro que es la obra de la que más versiones he visto en mi vida. Verla anunciada en el Teatro Principal de Ciudad, con la adaptación de Salvador Oliva ya cargo de la compañía La impaciencia —de Rodo Gener, Salvador Oliva y Xavi Núñez, dirigidos por Luis Venegas—, despierta, al menos, dos sensaciones antagónicas. Por un lado, el disfrute de poder ver y oír las palabras, aventuras y desventuras de alguien a quien resulta imposible no admirar, envidiar y nunca llegarle a la suela de los zapatos. Por otra, lo confieso, la duda de hasta dónde puede llegar esta atrevida tribu con sólo tres actores y cuatro cajas de madera como escenografía en tan sólo hora y media de representación.

El Teatro Principal de Palma ha cerrado el primer tramo de la temporada 2025-2026 con un aumento del 7,1% de público en comparación con el mismo período del año anterior. Entre los meses de septiembre y diciembre, el equipamiento cultural ha registrado un total de 22.473 espectadores, frente a los 20.976 de 2024. Según ha informado el Consell de Mallorca, este incremento se ha visto reforzado por varios fines de semana de alta ocupación, con funciones que colgaron el cartel de. Es el caso de Cyrano, de La Impaciencia, y Gigante, protagonizada por Josep Maria Pou, dos propuestas que han contribuido de forma destacada al aumento de la asistencia.

El Ayuntamiento de Sant Joan y el Obispado de Mallorca han llegado a un acuerdo histórico: la compra por parte de la administración municipal de la antigua sala de cine y teatro del edificio del Centro Católico, conocido popularmente como 'Es Centro'. El espacio quedó en desuso y cerrado desde que un incendio lo destruyó en 1978.

De nuevo, El elisir volvió a dar la impresión de que predica el giocoso Doctor Dulcamara, que para la ocasión la interpreta el gran Ambrogio Maestri, en un rol que ha cantado tantas veces a lo largo de su carrera que le ha convertido en paradigmático canon e, independientemente de que su voz haya bajado prestaciones, él todavía es el lenguerut vendedor del brebaje que lo cura todo por excel. Por otro lado, Javier Camarena/Nemorino, quien hace trece temporadas debutó en el Liceu con este papel, seguía indispuesto y el testigo lo cogió Michael Spyres, quien, no hay que olvidarlo, lo había interpretado el día anterior. No hubo aplausos al final de casi ninguna de las más famosas y reconocidas arias, hasta que cantó la archifamosa Una furtiva lágrima, con el que despertó al público como si le hubieran pisado el enchufe. Un poco injustos, después compensaron y la fiesta acabó como siempre, con el público enfervorizado, acompañando a Dulcamara cuando hacía el bis de rigor, el de siempre, Udite, Udite Oh! Rusticio.