No debe haber sido nada sencillo elegir un par de obras con las que celebrar el cuadragésimo aniversario de una compañía teatral de tanta relevancia como Iguana Teatre. Un grupo que no es historia, diría que es “la historia” del teatro contemporáneo de las Islas, por la sencilla razón de que fueron ellos los que abrieron el camino por donde muchos otros han iniciado su travesía. Han elegido Sa varietat de sa locura para conmemorar el acontecimiento conjuntamente con el teatro Principal. Una pieza que quizás no es la más representativa de su talante, podrían haber sido muchas otras de entre las más de cincuenta que han puesto sobre un escenario, pero, por otra parte, es la prueba fehaciente de su versatilidad, de esa costumbre de transitar por todos los estantes del teatro, desde los clásicos hasta los más vanguardistas, desde una vertiente investigadora, con su sello siempre inquieto y respetuosamente rompedor, que es lo que los condujo hacia esta serie de entremeses que conforman tan peculiar espectáculo.

La pregunta del titular no tiene respuesta, pero el biógrafo de Verdi, Julian Budden, sentenciaba que era en el Réquiem donde mostraba la mayor concentración de su genio. De entre tantas misas de difuntos que habitan el universo de la música no resulta muy difícil pensar, con muchos elementos de juicio, que este que nos ocupa es el más complejo, monumental y antológico de todos ellos. No era un terreno que hubiera cultivado mucho Giuseppe Verdi. Fue su participación, con un Libera me Domine, que, junto con otros doce compositores, dedicaron a Gioachino Rossini, el cisne de Pesaro. Una piezaque no se estrenó ni siquiera cuando estaba prevista su primera interpretación, la conmemoración del primer año de la muerte de quien iba dedicado. Verdi lo rescató cuando decidió dedicar el suyo a Alessandro Manzoni. Así comenzó la historia de este colosal rascacielos musical del cual disfrutamos como sexto concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears, junto con el coro UIB, dirigido por Núria Cunillera, Mira Alkhovix, soprano; Sílvia Tro Santafé, mezzosoprano; Antoni Lliteres, tenor, y Simón Orfila, bajo. Dirigía el evento Pablo Mielgo.

Concierto de quienes hacen afición. Quizá por eso y porque había muchos niños, alumnos del Conservatorio, el Auditorium del paseo Marítim presentaba un aspecto que gozaba. El programa era jugoso, goloso de pies a cabeza. Empezó con elApertura núm. 3, de Leonora, la que Beethoven consideraba demasiado importante e imponente como para que perdiera relevancia como inicio de una ópera, la única que compuso, Fidelio, que primero debía decirse como la pieza que nos ocupa. Y así, imponente, con cal y corresponde, sonó el prólogo del séptimo concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears, dirigida por Pablo Mielgo. Una presentación mayestática, incluso diría que con un talante especial por parte del director I los sesenta músicos que le acompañaron en esta velada tan especial a la hora de interpretar tan precisa sinopsis musical de lo que sería la única composición operística del genio de Bonn. Quedaba claro que había ganas de agradar un poco más que siempre y lo dejaron claro desde los primeros compases.

Vuelve al Gran Teatro del Liceo Manon Lescaut, de Puccini, y lo hace con una cabeza de cartel seguramente insuperable, como es el hecho de que la protagonista sea una Asmik Grigorian esplendorosa, cuyo montaje firma Àlex Ollé y dirige desde el foso Josep Pons. La segunda versión musical de la novela de Antoine François Prévost, que con el título de La historia del caballero des Grieux y Manon Lescaut, el maestro de Lucca logró el primer gran éxito de público. Un éxito que la cúpula de Ricordi, menos su cappadre y el amo, no veía claro por tratarse de la misma historia que diez años antes había subido a los escenarios Jules Massenet con no poca aceptación. Aunque todavía hay quien dice que Manon sólo hay una y no se refieren a la que nos ocupa, indudablemente ésta ya tiene su sitio entre las que no han quedado fuera de los grandes circuitos. Que Manon sea ​​la Grigorian es un valor añadido, tanto en lo que se refiere a la parte dramática, en este caso imprescindible, como para la vocal, con una interpretación, excelsa, impecable.

Podríamos poner muchos ejemplos que constatan la certeza del título, pero sólo con las tres últimas óperas que he podido ver estos días cualquier duda se desvanece enseguida. Primero fue el Gotterdämerung de Wagner, donde queda claro que la trágica y primordial protagonista es ella, Brünhilde. No lo es nada menos que Senta, quien encabeza el reparto de El holandés errante, que pudimos disfrutar en el teatro Principal de Ciudad. Para redondear la semana, en el Gran Teatre del Liceu, quien lleva el estandarte es quien da título a la obra, La Gioconda. Una composición, la única conocida de Amilcare Ponchielli, sin embargo, aun así, una indiscutible obra maestra que necesita seis voces de primer nivel para llegar a puerto sana y salva, como así fue en cuanto a la producción entre el Liceo y el Teatro de San Carlo de Nápoles, dirigida escenográficamente por Romain Gilbert. Basada en un drama de Victor Hugo, Angélo, tyran de Padoue, a la cual Arrigo Boito, autor de los libretos de las últimas y entre las mejores valoradas óperas de Verdi, bajo el seudónimo de Tobia Gorrio, trasladó a Venecia. Un aspecto que Gilbert ha configurado con total y absoluta fidelidad, añadiendo unas pinceladas de la conmedia del arte, con la inclusión de el Arlequín, Pantaleón y Colombina, además de alguna licencia argumental, como es ahora y entre otros, la aparición final de La Cieca, a cargo de una Violeta Urmana que aún conserva no pocas de sus cualidades y sobre todo la eficacia para dibujar con precisión las indispensables características del personaje.

Der fliegende Holländer, de Richard Wagner, en el teatro Principal. ¡Imposible!, pensamos muchos. Mea culpa. Difícil, sin duda, pero le imperó el buen trabajo y mejor criterio. No es un spoiler. Fue un éxito, en teatro lleno, y ohne irrtum –sin error– que diría el compositor, que seguro que si no lo dijo, al menos lo pensó. Todo funcionó a la perfección. Nada decepcionó y quizá ese equilibrio mayúsculo que se logró fue la mejor y más imprescindible de las muchas virtudes que atesora el espectáculo. El círculo podía ser menor que de costumbre, por razones obvias, pero sin duda fue redondo. Una circunstancia que ya quedó clara desde los primeros acuerdos delApertura, con los metales, imponentes, anunciando la tormentosa tragedia, a cargo de la Orquesta Sinfónica de las Islas Baleares, dirigida por Guillermo Garcia-Calvo, para quien Wagner tiene muchos menos secretos que para una inmensa mayoría de directores, por haber alienado los aires de las entrañas de Bayreuth. Salvada entonces esta primera instancia referida al número de miembros de la orquesta, que sonó poderosa y exponencial, además de rica en texturas e impecable transparencia.

Veintiocho ediciones contemplan las barras de los diferentes bares de Ciutat que a lo largo de los años se han convertido en madrigueras teatrales, donde el jueves tras el jueves se van llenando para disfrutar de estas pequeñas grandes historias con una cerveza en la mano y una tapa en la boca. El tema para la ocasión da para mucho, el turismo, del que ni uno de los autores ha hecho apología ni nada que se le parezca. Por otra parte, recomendar alguna en detrimento de otra se hace más difícil que nunca.

Animula, vagula, blandula/ Hospes comesque corpóreos/ Quae nunc abibis in loca/ Pallidula, rigida, nudula, Neco, ut solas, dabis yocos… Así comienza el poema fúnebre que escribió el emperador Adriano y que inspiró a Marguerite Yourcenar para sus Memorias, como una hipotética carta de despedida que escribe a su joven sucesor, Marc Aureli. Una prenda que en su momento fue de obligada y deliciosa lectura. Años después, nada menos que Maurizio Scaparro se encargó de llevarlas encima de un escenario con una adaptación de Jean Launay, protagonizada por Giorgio Albertazzi, la cual pudimos ver en el madrileño Teatro Albéniz. El propio director la recuperó en castellano, protagonizada por José Sancho, con quien recorrió buena parte de la península Ibérica.

Inquilina es la última cucavela teatral de la calórica Julia Truyol. Ella siempre elige bien, desde la compañía con la que se han convertido en referente canónico a otros. Su listón está muy arriba y en esta ocasión, de nuevo, lo ha vuelto a franquear con esa naturalidad interpretativa que es marca de la casa. Sin embargo, Inquilina es un reto con algunos tirabuzones añadidos, en el que se necesitan muchos elementos en torno a la historia para que el proyecto llegue a buen puerto. En primer lugar, un buen texto, a partir de una situación a la orden del día, como es el hecho de que un inquilino eche a la inquilina fruto de la desmesura, por decirlo de alguna manera, en la que vivimos ya la que incluso nos hemos acostumbrado como si nada, encogiendo los hombros y uno que le haremos. Poner esta cotidiana circunstancia sobre un escenario tiene el riesgo de convertirla en una pieza costumbrista. No es el caso. Por otro lado, un monólogo necesita muchos alicientes para no adormecer al respetable, que obliga a la protagonista a dar toda una serie de saltos mortales que tan sólo se pueden superar con todo un surtido de registros a un ritmo, si no frenético, con muchas revoluciones, cambiando el tono, yendo desde la desesperación hasta el conformismo, desde el protagonista talante.

El quinto concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Islas Baleares llegó lleno de nombres y apellidos no muy habituales, desde los compositores hasta el solista y el director. En cuanto a estos dos últimos, no hace falta decir que tener a Frank Peter Zimmermann como solista es un auténtico lujo y, por supuesto, un privilegio. Zimmermann, además, venía con un estreno en España bajo el brazo, el Concierto para violín y orquesta, del compositor suizo Frank Martin. Una pieza basada en La tormenta, de Shakespeare, con el personaje de Ariel como alusión musical permanente, con una estructura, al menos, peculiar.Allegro tranquilo-Andante molto moderato-Presto— y toda una serie de referencias que van desde el dodecafonismo hasta el jazz, que se van entrelazando hasta conformar un homogéneo caleidoscopio que aplasta de forma espectacular en el movimiento final. Una pieza exigente, con la que tanto la orquesta como el solista, exhibieron tanto energía como un ensamblaje mayúsculo. La interpretación tuvo premio: Zimmermann regresó con dos bises, uno de ellos no menos literario que la composición, El rey de los elfos de Schubert, inspirado en un triste y fantástico poema de Goethe. Este ejercicio de complicidad entre los protagonistas tenía también nombre propio, Pietari Inkinen, prestigioso director de orquesta finlandés, quien en su currículum ostenta, entre otros, la conducción de la tetralogía wagneriana en Bayreuth en 2023, y que hizo brotar de la orquesta todas las capacidades. Tanto es así, que los músicos le despidieron con un caluroso y categórico aplauso.

Si me dieran a elegir una obra de teatro, sólo una, seguro que sería Cyrano de Bergerac, de Edmond Rostand, como estoy casi seguro que es la obra de la que más versiones he visto en mi vida. Verla anunciada en el Teatro Principal de Ciudad, con la adaptación de Salvador Oliva ya cargo de la compañía La impaciencia —de Rodo Gener, Salvador Oliva y Xavi Núñez, dirigidos por Luis Venegas—, despierta, al menos, dos sensaciones antagónicas. Por un lado, el disfrute de poder ver y oír las palabras, aventuras y desventuras de alguien a quien resulta imposible no admirar, envidiar y nunca llegarle a la suela de los zapatos. Por otra, lo confieso, la duda de hasta dónde puede llegar esta atrevida tribu con sólo tres actores y cuatro cajas de madera como escenografía en tan sólo hora y media de representación.

De nuevo un marco incomparable acogió al no menos incomparable Bach. La Seo fue cae en clave de Bach. A la popular y multitudinaria tradición mesiánica de Georg Friedrich Händel debemos añadir esta pequeña gran cata del inmenso y marmóreo Oratorio de Navidad BWV 248 que la Capilla de la Seu, dirigida por Joan Company, y la Orquesta Sinfónica Illes Balears, con Pablo Mielgo en la batuta, ofrecen desde hace una serie de años en el presbiterio catedralicio, bajo el baldaquino de Gaudí y junto a las transgresoras e incendiarias pinturas de Jujol. Y si el marco solo puede calificarse de supremo, el concierto brilló a la misma altura, con la soprano Irene Mas, el contratenor sopranino Rafael Quirant, el tenor Bryan López y el barítono Tomeu Bibiloni como solistas vocales. En cuanto a los solistas de la orquesta, quien cautivó exponencialmente al respetable fue Emma Goillot, en la trompeta piccolo —pequeña, de cuatro pistones, que afinada en re también se llama trompeta Bach— en su intervención, interpretando con Tomeu Bibiloni una excelsa Gosser Herr, o Starker König.

El patio de butacas del Auditorium del Paseo Marítimo estaba lleno hasta los topes para escuchar la teórica última sinfonía de Ludwig van Beethoven. Teórica, porque hubo una posterior, la décima, de la que tan sólo faltaba un movimiento. Tanto es así que día 7 de mayo de 1824, cuando se estrenó la Sinfonía núm. 9 op. 125, en re menor en el Kärntnertortheater de Viena, con el compositor presente y sobre el escenario —al que tuvieron que girar hacia el público para que disfrutase de la intensidad de los aplausos; si non è vero, è bien trovato—, también se interpretaron los tres movimientos que ya había concluido el genio de Bonn. Circunstancia anecdótica, ya que la Novena lo ha eclipsado todo. Sin duda y sin entrar en clasificaciones que parecerían deportivas, lo que está claro es que esa "última" es la más imponente de las ocho precedentes. El calificativo monumental se ha convertido en prefijo de la Novena, por la sencilla razón de que se necesitan tanto un corazón como una orquesta lo suficientemente numerosos como para alcanzar esta gran cumbre musical.

Viajar en el tiempo, una manía que los humanos hemos soñado por pan y por sal fue posible gracias a Studium. Para empezar, cambiaron su madriguera por la iglesia de la Mercè consagrada en 1661 –nada es casual–, el tiempo en que todos los compositores que conforman la nómina de protagonistas de este concierto estaban escribiendo todas las piezas que pudimos escuchar el pasado lunes. Por otra parte, lo hicieron con una configuración que muy probablemente sería muy parecida a las del siglo XVII, dos violines, Ramon Andreu y Bernat Martí; un violonchelo, Rosa Cañellas; un órgano, Pedro Aguiló, y dos sopranos, Irene Mas y Raquel Ribas. No era necesario cerrar los ojos, ni subir al DeLorean del doctor Emmet 'Doc' Brown, ni entrar en la máquina que imaginó H:G. Wells, como tampoco ni siquiera que los músicos de la pequeña orquesta de Studium Aureum, dirigidos por Carles Ponseti, empleen instrumentos de época. Todo era mucho más sencillo, tan sólo escuchando pudimos disfrutar de un sabroso y abundante paseo por el barroco italiano. Con tan pequeño esfuerzo nos encontramos con hasta diez músicos coetáneos y compatriotas. Se inició la velada con Girolamo Frescobaldi, con Canzon seconda, para dos violines y continuo. Ya desde los primeros acuerdos fue suficiente para saber que el teletransporte había sido un éxito. Por si había dudas, se añadieron las dos sopranos para interpretar el Salve nobilísimo virga Jesse, de Michelangelo Grancini, y así sucesivamente hicieron acto de presencia, Dario Castello, Giovanni P. Cima, Salamone Grassi y Arcangelo Corelli, entre otros.

El cuarto concierto de la Orquesta Sinfónica Illes Balears en el Auditorium del paseo Marítim disponía de algunos alicientes que iban más allá de un programa soberbio y estimulante. La curiosidad era el síntoma de quien más quien menos. No resultaba nada extraño con el anuncio de Raise the Roof. Concierto para timbales, como pieza inicial. Una composición de Michael Daugherty, discípulo de Pierre Boulez y Luciano Berio, interpretada por el percusionista Javier Eguillor, junto a Nuno Coelho al frente de la formación. Una pieza insólita que gana muchos en directo, viendo la movida actividad de un protagonista que exhibe todo un abanico de posibilidades de los timbales y platillo, desde la afinación melódica hasta la colocación de un platillo sobre uno de los cinco timbales, con posición convexa, que es posición convexa, inmensa cantidad de ritmos que la convierten en una compleja e inusual singularidad musical. Está claro que la duración, de poco más de doce minutos, hace que transcurra como una exhalación. Hubo bis, claro, y justo después repitieron un fragmento de la pieza de Daugherty, como para masticarla con mayor fruición y con conocimiento de causa.

Tomeu Moll-Mas, junto con Caterina Alorda en su primera intervención y con Marta Bauzà y Roger Padullés en la segunda, en pocos días de diferencia interpretó y de alguna manera hizo revivir a Antoni Torrandell y Baltasar Samper, dos compositores mallorquines y coetáneos de una calidad y peso específico indiscutido. No son estas dos las únicas semejanzas, puesto que, además de mallorquines y coetáneos, ambos fueron pianistas de gran nivel, quienes buscaron en París buena parte de la inspiración e influencias, no sin pocas horas de estudio, que no encontraban en casa. Quizá, casi seguro, porque la isla les había vuelto pequeña, pero ésta es otra historia que merecería incluso, y sobre todo en el caso del segundo, un documental. Lo importante y significativo es poner luz a las injustamente olvidadas partituras. Una luz que en el caso de Torrandell fue en su pueblo, en Inca, en el teatro Principal, donde Tomeu Moll con buen criterio, en este concierto llamado Torrandell y el debussysmo!, no sólo interpretó algunas de sus piezas, concretamente otras tres el bis, sino que las complementó con las Estampas y El isle joyeuse, de Claude Debussy, como si de una comparativa se tratara, para demostrar los preclaros paralelismos entre uno y otro. Por otra parte, si alguna pieza, por su dificultad, podría destacarse sobre las demás, sería el tercer movimiento de la primera, Los jardines sueldos la pluie, de una calidad soberbia y que, además, en su día fue estrenada por Ricard Viñes, maestro de virtuosismo de Torrandell. Y de Torrandell Moll-Mas interpretó Splendeur du printemos op. 9, Enchantements mistérieux op. 13, Chimère Op 26 y Son Alcalde op. 46. Fue en la tercera, Chimére. Para recitador y piano, de la que existe una grabación de Joan Moll y Biel Mesquida, cuando Caterina Alorda se encargó de recitar el bello y encantador poema, acompañada al piano, como un trasfondo que multiplica el valor y sentido a las palabras. Momento mágico. Moll-Mas, en el resto, puso esta imprescindible hebra de sensata energía para convertir la velada en mucho más que un merecido homenaje, con una pantalla como un muy adecuado telón de fondo, donde se podían ver en muchos momentos las manos del pianista. Valor Añadido.

De nuevo, El elisir volvió a dar la impresión de que predica el giocoso Doctor Dulcamara, que para la ocasión la interpreta el gran Ambrogio Maestri, en un rol que ha cantado tantas veces a lo largo de su carrera que le ha convertido en paradigmático canon e, independientemente de que su voz haya bajado prestaciones, él todavía es el lenguerut vendedor del brebaje que lo cura todo por excel. Por otro lado, Javier Camarena/Nemorino, quien hace trece temporadas debutó en el Liceu con este papel, seguía indispuesto y el testigo lo cogió Michael Spyres, quien, no hay que olvidarlo, lo había interpretado el día anterior. No hubo aplausos al final de casi ninguna de las más famosas y reconocidas arias, hasta que cantó la archifamosa Una furtiva lágrima, con el que despertó al público como si le hubieran pisado el enchufe. Un poco injustos, después compensaron y la fiesta acabó como siempre, con el público enfervorizado, acompañando a Dulcamara cuando hacía el bis de rigor, el de siempre, Udite, Udite Oh! Rusticio.

La semana que comienza con Cati Moyà

Visitaré el espacio TACA, en la calle de Sant Feliu de Palma, para conocer la última propuesta del artista Lluís Juncosa, una muestra individual titulada (ROAR) Disparando en la silla kármica y dedicada a la memoria de Julià Homar. La exposición reúne un conjunto de 23 dibujos de Juncosa, realizados entre los años 2003 y 2023, que sintetizan algunas de las constantes en la trayectoria del artista, de una contundencia visual y narrativa que resultan absolutamente desbordantes y cautivadoras. Según el cartel promocional de la muestra, las imágenes, que hablan de elementos como cuerpos sin órganos, forman parte de una serie "que no se dirá le privilège des souris" y de una "futura publicación titulada Dermopolitik".

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"Mitad genio, mitad loco", decía de Anton Bruckner Hans von Bulow. "Mitad Dios, mitad loco", apostrofaba Gustav Mahller. En cualquier caso, a nosotros nos ha llegado tan sólo la primera parte de la exposición y, por otra parte y con todo merecimiento, la historia ha colocado al beatífico Bruckner en el lugar que le corresponde, por su increíble capacidad de hacer música, a partir de sus admirados Schubert y Wagner, hasta conseguir un sello propio e inmarceble. Del primero absorbió su destreza melódica y del segundo, la inconmensurable monumentalidad. La combinación de estas dos habilidades y sin olvidar que era organista y, por tanto, con la capacidad de manejar todos los resortes de una orquesta como si fuera un solo instrumento, le han convertido en uno de los pocos miembros de este grupo de privilegiados que nunca decepciona.

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No existen historias en minúscula. Todas, tengan la incidencia que tengan, conforman la que se escribe en mayúscula, como puede comprobarse en El arquitecto, que se representa en el Teatro del Mar, escrita por Josep Ramon Cerdà, dirigida por Rebeca del Fresno e interpretada por Xisco Segura, Miquel Àngel Torrens, Caterina Alorda y Xen Garcinuño. Una historia de la Historia de este país, una pincelada cargada de muchos elementos y tantos otros rincones y ángulos, que, de algún modo, dibujan con precisión el origen del que somos. Una hipotética conversación es la columna vertebral de la narración, donde se especula sobre la especulación, el turismo con todas sus consecuencias y la modernización a cualquier precio, con un trasfondo misterioso que, al mismo tiempo, da consistencia al relato, el asesinato de uno de los principales protagonistas, dos reconocidos arquitectos con el nombre y el artista. Con ellos, Cerdà hace ficción de la realidad. El pasoliniano crimen adelante la lettre sin resolver, toda sombra y sin ninguna brizna ni una luz, sirve de contrafuerte de todo un buque que se convertiría en un edificio inmenso, inalcanzable, con los capparas de dos maneras de entender una profesión que siempre se pone de lado. Ferragut fue una excepción y murió en no tan extrañas circunstancias.

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