Aunque ya son quince años desde que partió Alexandre Ballester, siempre estará presente en la memoria de los que gozamos de su traza, gracia y perspicacia. Que el teatro Principal Palma decida ponerlo al alcance de todos los que no tuvieron nuestra ventura es, sin duda, no solo un acierto, sino también un merecido homenaje. La producción, por otra parte, es de las de renombre, una escenografía grandiosa, con el inconveniente de la movilidad para que pueda ir a otros escenarios de la isla, y un reparto de lujo, encabezado por Miquel Àngel Torrens, junto con Luca Bonadei, Mariona Hauf, Sofía Muñiz, Maria Rosselló, Josep Orfila y Patxi Arostegui. La obra, Un baúl amarillo para Nofre Taylor, que en su día Joan Lluís Bozzo puso sobre los escenarios alternativos catalanes, un poco antes de la creación de Dagoll Dagom, había quedado en el fondo del baúl de las piezas olvidadas. Marga López ha sido la encargada de este rescate, de este hiperrealista retrato de la condición humana, porque eso es, y no otra cosa, la pieza de Ballester. Todos los rasgos del rico y poderoso no han cambiado ni poco ni nada, porque ya eran así desde que el tiempo es tiempo. Esta sería una lectura cuidadosa, pero sencilla, porque los súbditos de los emperadores/empresarios también juegan el mismo rol de siempre, el de la sumisión. Aún más, a todos y cada uno de los personajes que van apareciendo podríamos ponerles nombre y apellidos de algún conocido, tan conocido que, a lo mejor, son los nuestros. El pincel de Ballester no dejaba nunca ningún rincón sin pintar.

Dice el programa de mano de Calidoscopi, la última criatura de Estudi Zero, que “los personajes se mueven por situaciones absurdas, violentas o profundamente humanas”. Cierto, pero aún lo sería mucho más si la conjunción fuera copulativa en lugar de disyuntiva. Si las situaciones son absurdas y violentas queda claro que son indiscutiblemente muy humanas. La caricatura no desvirtúa la realidad sino que la acentúa, de tal manera que este punto tan osado, irracional y estrambótico hace que el metafórico dibujo de la condición humana llegue con más eficacia. Que la función esté compuesta por diferentes pequeñas historias aporta sello Sans, de tal manera que nos transporta a aquel viaje que en esta misma sala pilotaba Karl Valentin. Para la ocasión son diversos los autores que figuran en la nómina de Calidoscopi –Esteve Soler, Juan Mayorga y Joël Pommerat–, que hace que el talante de los diferentes sketches suban un poco mucho el calor de cada uno. No hay humor blanco. Todos contienen una elevada dosis de veneno, en la misma proporción que de causticidad y sarcasmo y sin miedo de traspasar líneas rojas.La primera historia, la del hombre a quien un autobús ha pasado por encima, de la que ya no diré más porque sería spoiler, marca el talante de la función. Humor negro en estado puro. La crueldad humana o la falta de humanidad, que en este caso es lo mismo, lucen con todo el esplendor. La de la pareja que confiesa a su hijo de veinte años que no fue un hijo deseado, aumenta exponencialmente la porción de inhumanidad. La del vendedor de cualquier cosa que podáis imaginar es un espejo dirigido hacia el patio de butacas. Y así sucesivamente. Todo ello, redondeado con un número musical que interpreta Dominic Hull, un My way al más puro estilo crooner, acompañado por el resto del reparto y vestidos como lo hacía Fortunio Bonanova and the Glamouramas en sus gloriosos años norteamericanos. Naturalmente en un conjunto tan diverso no resulta sencillo encontrar el punto ideal de homogeneidad, pero, aun así, la función atesora suficiente uniformidad, tanto en las diferentes historietas como en la interpretación de los siete protagonistas, que en tan maratoniana función se convierten en un inmenso montón de personajes, vestidos siempre de muy diferente manera. Tan solo un pequeño pero, las pelucas no son muy necesarias. Con los diferentes cambios de registro, que los hay, basta.

El monumental claustro de Sant Bonaventura acogió la Ceremonia de los derviches giróvagos, organizada por la Fundació Toni Catany, quien, como dice el programa de mano, fue un enamorado de las culturas del Mediterráneo, que pisó y de las cuales dejó testimonio artístico en incontables series fotográficas. No es un espectáculo, estoda una experiencia litúrgica, como muy bien explicó Halil Bárcena, el director del Institut d’Estudis Sufís de Barcelona, poco antes de dar curso a este Sêma: El viaje sufí, a cargo de la Neva Sufi Ensemble. Un grupo integrado, por un lado, por cuatro músicos con sus instrumentos tradicionales, el ney, el qanun, el ud y el bendir —más o menos, una flauta, una cítara trapezoidal, un laúd árabe y un tambor— también encargados de poner voz a los selam, la salutación en turco. Por otro lado, los semazens, derviches danzantes, otros cuatro, que van repitiendo los giros, siempre de izquierda a derecha, con la mano derecha girada hacia el cielo y la izquierda hacia tierra, la manera de establecer un vínculo entre el alma y el cuerpo, entre lo divino y lo humano.Decía Robert Graves en el prólogo deLos sufíes, del pensador fundacional Idries Shah, que “el sufismo representaba una corriente de iluminación interior centrada en el amor y el conocimiento de uno mismo, libre de dogmas opresivos”. Todo esto quedó patente en esta representación de la música y los bailes de la tradición clásica sufí mevleví. El recinto, lleno; el silencio, absoluto, reverencial. Como si se tratase de un oficio con toda su carga mística. Los ascéticos movimientos de los derviches se encargaban de marcar la idiosincrasia espiritual de la función, al mismo tiempo que exhibían una cadencia tanto estética como sobria y cenobítica.La música, emotiva y profunda, con las tradicionales frases melódicas de los maqamat, las cuales, mientras las voces salmodiaban los nombres de los profetas, aportaban a la representación la aleación pura y trascendente entre unos y otros. Era la sensación de que todo ello era mucho más de lo que nuestros sentidos podían captar en una primera instancia. Fue un homenaje, adecuado y emotivo, pero también una puerta abierta a otra manera de ver y vivir.

Hay momentos en la ópera que, siempre y sin excepción, resultan absolutamente memorables. Son aquellos que cuando el/la cantante acaba de interpretar habitualmente el aria más famosa de la composición, los aplausos del público tienen un tono especial, muy elocuente, incluso exigente. Y, si casi siempre van perdiendo intensidad, en estos casos los decibelios aumentan de manera exponencial. El protagonista primero guarda silencio, respetuoso y agradecido, sin ningún movimiento, ni el más mínimo que pueda interrumpir la fiesta que han iniciado los espectadores de allí arriba y han contagiado al resto. Mira al director. Este, atento, espera que el protagonista cierre los ojos de manera afirmativa, corroborando lo que quien más quien menos ya tenía claro. Y así comienza de nuevo la apoteosis, el bis. Para los mallorquines que allí estábamos, tenía valor añadido, el primero que hizo Xabier Anduaga, con Una furtiva lagrima, fue en el teatro Principal de Palma. El domingo, en la tercera función de su primer Werther, el Liceu estalló y convirtió la velada en memorable, una de las que no se olvidan. Xabier Anduaga bisó, por primera vez en su debut del personaje trágico por excelencia, la celebérrima y legendaria Pourquoi me réveiller. Una circunstancia que podría haber convertido el resto de la función en pura anécdota.

El reto tenía mucho de riesgo. La liaison entre el teatro Principal de Inca y la Orquestra de Cambra de Mallorca está recogiendo cada vez más sabrosos frutos. Dicho esto, hay que alabar esta última hazaña, que sin duda no será la última ni de lejos, como es ahora la completa escenificación del Così fan tutte, de Mozart, con tan solo unos pequeños y nada trascendentes cortes argumentales con los cuales, por otra parte, han conseguido dar mucha fluidez a la narración y hacen que todo transcurra con la máxima naturalidad para una historia que, como casi todas las comedias bufonescas, no pretende ningún tipo de verosimilitud ni credibilidad. La pretensión está en el trasfondo de la trama, que, en este caso, va bien repleta de lecturas. Tanto es así que Miquel Àngel Raió, el director artístico de este suceso, en la medida de lo posible, ha cambiado el discurso, salvando un poco lo que hacen “todas”. No era sencillo ganar un pulso a Lorenzo da Ponte. Lo dejaremos en tablas. Raió, donde sí ha sido indiscutiblemente fundamental ha sido en la puesta en escena y todo lo que tiene que ver con el envoltorio –idóneo, sencillo y eficiente–, en la muy cuidada dirección de actores y todos los demás elementos que, con la colaboración escenográfica y estilista de Adema, hacen que todo funcione sin trabas ni treguas. Incluso de la incorporación de los tres bailarines saca provecho argumental.

“Estoy en el umbral de la plenitud”, escribió Mozart en una carta en el año 1790, el mismo del estreno de Così fan tutte, ossia La scuola degli amanti. Lo recoge Christoph Wolff en su ensayo y lo convierte en el título del libro que, traducido por Ramón Andrés, publicó Acantilado. Cuenta, entre muchas otras cosas, que el libreto que presentó Da Ponte a Mozart llevaba por título el que quedó como subtítulo, pero Mozart encontró más adecuado, por cuestiones musicales, y seguramente alguna más, el que todos conocemos. Hay que decir que Da Ponte nunca reconoció el nombre con el que ha pasado a la historia y a sus Memorias, tan solo lo cita una vez en un pequeño párrafo, donde cuenta que escribió una tercera pieza para una cantante, a la que no pone nombre, pero era Adriana del Bene, conocida como la Ferrarese, su amante del momento. Fueron El pastor Fido y La cifra, de Salieri, y La scuola degli amanti, de Mozart, “que ocupa el tercer lugar entre las hermanas nacidas de este celebérrimo padre de la armonía”. Ni una palabra más. Queda claro que la interpretación de la obra entre uno y otro era conceptualmente muy diferente, al menos en lo que respecta al título. Mozart, por su parte, daba preponderancia al comportamiento femenino, mientras que Da Ponte buscaba, y encontraba, una lectura filosófica y rompedora, como también mucho más rebuscada y profunda.

Tomar los clásicos y a partir de ahí contar lo que quieres contar ha sido el truco argumental con el que Miquel Mas Fiol ha montado esta Trilogía de la Condición 'Millennial'. El autor y director no se ha andado con chiquitas. La primera víctima fue Voltaire; la segunda, Goethe, y la tercera, Victor Hugo. Cándido o el optimismo, Las penasdel joven Werther y esta última, Los miserables, han sido el MacGuffin para que el autor lance su discurso, basado en pasarlo bien sin dejar ni un pelo sobre los hombros de nadie. Ni una caña en pie, sin excepciones. La primera, la suya, desde antes de empezar la función, con dos de los protagonistas lanzando invectivas contra el autor. Desde abusador hasta explotador… mientras la gente entraba al recinto. Esta es su licencia, el salvoconducto que le permite zurrar sin piedad, a tort y a derecho, fuera de líneas rojas.

Noveno concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears en el Auditorium de Ciutat, que se inició con el peculiar , del compositor finés Einojuhani Rautavaara, a las órdenes de un director de enorme presencia en todos los sentidos, como es el noruego Rune Bergmann. Él fue, sin duda, quien convirtió el concierto en un espectáculo de unas dimensiones que se corresponden con las suyas. Justo después de la ornitológica composición llegó el primer plato fuerte del programa, con la pianista Olga Kern como gran protagonista, para interpretar el Concierto para piano y orquesta en la menor op. 54, de Robert Schumann. Inició el primer movimiento, con un estilo muy sólido, un poco rocoso, y una pulsación muy firme, desde la decidida entrada del piano, con una marcial y poderosa sucesión de acordes descendentes, hasta llegar a la poliédrica cadencia del final, desde donde aumentó la coloratura de la composición, con tanta precisión como elegancia. Su interpretación iba subiendo el nivel y la delicadeza, como por ejemplo, con el andantino grazioso, un divertido diálogo entre la orquesta y el piano que, poco a poco, se fue convirtiendo en un tierno y sutil monólogo del instrumento solista. Kern dejó clara su maestria y capacidad para sugerir toda esta serie de variaciones y estilos que Schumann incorporó a la partitura, de manera muy novedosa en su momento. La solista, de nuevo, retomó el tono enérgico del comienzo, en un tercer movimiento impetuoso, cuando, de golpe, estableció un delicioso nuevo diálogo, esta vez con el oboe, como un anuncio de la excepcional coda final que tan solo se puede calificar de excepcional y que sirvió a la protagonista para recibir los entusiastas aplausos del público. Como debía ser y todo el mundo esperaba, hubo bis, primero un , de Claude Debussy, que nunca decepciona ni deja indiferente. Impecable. Y ante la plegaria en forma de ovación, otra pequeña perla, de Nikolái Miaskovski, un arreglo para piano de Joseph Horovitz.

Tercera entrega de una nueva temporada en el teatro Principal de Inca, hogar de la Orquesta de Cámara de Mallorca, que pudimos oír de nuevo en la iglesia de Llubí. Un programa que de por sí ya era bastante apetecible, con un grado de dificultad que lo convertía en valor añadido y con una figura indiscutible, Eduardo Ríos, violinista de la Berliner Philharmoniker, como solista encargado para la ocasión de dar vida al Concierto para violín y orquesta en Re mayor, op. 6. Uno de los conciertos más complicados y el único que compuso Ludwig van Beethoven para el instrumento. Una composición que, como tantas otras, lleva acoplada su leyenda. Estrenada por Franz Clement, recibió la partitura muy poco tiempo antes del concierto, y la interpretó como si fuera casi una primera lectura, pero, además, añadió una sonata suya como cadenza tocada sobre una sola cuerda y con el violín al revés. Tan difícil era la ejecución del concierto que los virtuosos de la época decidieron que era intocable, hasta que, treinta y seis años después del estreno, a la edad de trece años, y con Felix Mendelssohn a la batuta, Josef Joachim la colocó en el pedestal que le corresponde y de donde ya no ha vuelto a bajar.

No debe haber sido nada sencillo elegir un par de obras con las que celebrar el cuadragésimo aniversario de una compañía teatral de tanta relevancia como Iguana Teatre. Un grupo que no es historia, diría que es “la historia” del teatro contemporáneo de las Islas, por la sencilla razón de que fueron ellos los que abrieron el camino por donde muchos otros han iniciado su travesía. Han elegido Sa varietat de sa locura para conmemorar el acontecimiento conjuntamente con el teatro Principal. Una pieza que quizás no es la más representativa de su talante, podrían haber sido muchas otras de entre las más de cincuenta que han puesto sobre un escenario, pero, por otra parte, es la prueba fehaciente de su versatilidad, de esa costumbre de transitar por todos los estantes del teatro, desde los clásicos hasta los más vanguardistas, desde una vertiente investigadora, con su sello siempre inquieto y respetuosamente rompedor, que es lo que los condujo hacia esta serie de entremeses que conforman tan peculiar espectáculo.

La pregunta del titular no tiene respuesta, pero el biógrafo de Verdi, Julian Budden, sentenciaba que era en el Réquiem donde mostraba la mayor concentración de su genio. De entre tantas misas de difuntos que habitan el universo de la música no resulta muy difícil pensar, con muchos elementos de juicio, que este que nos ocupa es el más complejo, monumental y antológico de todos ellos. No era un terreno que hubiera cultivado mucho Giuseppe Verdi. Fue su participación, con un Libera me Domine, que, junto con otros doce compositores, dedicaron a Gioachino Rossini, el cisne de Pesaro. Una piezaque no se estrenó ni siquiera cuando estaba prevista su primera interpretación, la conmemoración del primer año de la muerte de quien iba dedicado. Verdi lo rescató cuando decidió dedicar el suyo a Alessandro Manzoni. Así comenzó la historia de este colosal rascacielos musical del cual disfrutamos como sexto concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears, junto con el coro UIB, dirigido por Núria Cunillera, Mira Alkhovix, soprano; Sílvia Tro Santafé, mezzosoprano; Antoni Lliteres, tenor, y Simón Orfila, bajo. Dirigía el evento Pablo Mielgo.

Concierto de quienes hacen afición. Quizá por eso y porque había muchos niños, alumnos del Conservatorio, el Auditorium del paseo Marítim presentaba un aspecto que gozaba. El programa era jugoso, goloso de pies a cabeza. Empezó con elApertura núm. 3, de Leonora, la que Beethoven consideraba demasiado importante e imponente como para que perdiera relevancia como inicio de una ópera, la única que compuso, Fidelio, que primero debía decirse como la pieza que nos ocupa. Y así, imponente, con cal y corresponde, sonó el prólogo del séptimo concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears, dirigida por Pablo Mielgo. Una presentación mayestática, incluso diría que con un talante especial por parte del director I los sesenta músicos que le acompañaron en esta velada tan especial a la hora de interpretar tan precisa sinopsis musical de lo que sería la única composición operística del genio de Bonn. Quedaba claro que había ganas de agradar un poco más que siempre y lo dejaron claro desde los primeros compases.

Vuelve al Gran Teatro del Liceo Manon Lescaut, de Puccini, y lo hace con una cabeza de cartel seguramente insuperable, como es el hecho de que la protagonista sea una Asmik Grigorian esplendorosa, cuyo montaje firma Àlex Ollé y dirige desde el foso Josep Pons. La segunda versión musical de la novela de Antoine François Prévost, que con el título de La historia del caballero des Grieux y Manon Lescaut, el maestro de Lucca logró el primer gran éxito de público. Un éxito que la cúpula de Ricordi, menos su cappadre y el amo, no veía claro por tratarse de la misma historia que diez años antes había subido a los escenarios Jules Massenet con no poca aceptación. Aunque todavía hay quien dice que Manon sólo hay una y no se refieren a la que nos ocupa, indudablemente ésta ya tiene su sitio entre las que no han quedado fuera de los grandes circuitos. Que Manon sea ​​la Grigorian es un valor añadido, tanto en lo que se refiere a la parte dramática, en este caso imprescindible, como para la vocal, con una interpretación, excelsa, impecable.

Podríamos poner muchos ejemplos que constatan la certeza del título, pero sólo con las tres últimas óperas que he podido ver estos días cualquier duda se desvanece enseguida. Primero fue el Gotterdämerung de Wagner, donde queda claro que la trágica y primordial protagonista es ella, Brünhilde. No lo es nada menos que Senta, quien encabeza el reparto de El holandés errante, que pudimos disfrutar en el teatro Principal de Ciudad. Para redondear la semana, en el Gran Teatre del Liceu, quien lleva el estandarte es quien da título a la obra, La Gioconda. Una composición, la única conocida de Amilcare Ponchielli, sin embargo, aun así, una indiscutible obra maestra que necesita seis voces de primer nivel para llegar a puerto sana y salva, como así fue en cuanto a la producción entre el Liceo y el Teatro de San Carlo de Nápoles, dirigida escenográficamente por Romain Gilbert. Basada en un drama de Victor Hugo, Angélo, tyran de Padoue, a la cual Arrigo Boito, autor de los libretos de las últimas y entre las mejores valoradas óperas de Verdi, bajo el seudónimo de Tobia Gorrio, trasladó a Venecia. Un aspecto que Gilbert ha configurado con total y absoluta fidelidad, añadiendo unas pinceladas de la conmedia del arte, con la inclusión de el Arlequín, Pantaleón y Colombina, además de alguna licencia argumental, como es ahora y entre otros, la aparición final de La Cieca, a cargo de una Violeta Urmana que aún conserva no pocas de sus cualidades y sobre todo la eficacia para dibujar con precisión las indispensables características del personaje.

Der fliegende Holländer, de Richard Wagner, en el teatro Principal. ¡Imposible!, pensamos muchos. Mea culpa. Difícil, sin duda, pero le imperó el buen trabajo y mejor criterio. No es un spoiler. Fue un éxito, en teatro lleno, y ohne irrtum –sin error– que diría el compositor, que seguro que si no lo dijo, al menos lo pensó. Todo funcionó a la perfección. Nada decepcionó y quizá ese equilibrio mayúsculo que se logró fue la mejor y más imprescindible de las muchas virtudes que atesora el espectáculo. El círculo podía ser menor que de costumbre, por razones obvias, pero sin duda fue redondo. Una circunstancia que ya quedó clara desde los primeros acuerdos delApertura, con los metales, imponentes, anunciando la tormentosa tragedia, a cargo de la Orquesta Sinfónica de las Islas Baleares, dirigida por Guillermo Garcia-Calvo, para quien Wagner tiene muchos menos secretos que para una inmensa mayoría de directores, por haber alienado los aires de las entrañas de Bayreuth. Salvada entonces esta primera instancia referida al número de miembros de la orquesta, que sonó poderosa y exponencial, además de rica en texturas e impecable transparencia.

Veintiocho ediciones contemplan las barras de los diferentes bares de Ciutat que a lo largo de los años se han convertido en madrigueras teatrales, donde el jueves tras el jueves se van llenando para disfrutar de estas pequeñas grandes historias con una cerveza en la mano y una tapa en la boca. El tema para la ocasión da para mucho, el turismo, del que ni uno de los autores ha hecho apología ni nada que se le parezca. Por otra parte, recomendar alguna en detrimento de otra se hace más difícil que nunca.

Animula, vagula, blandula/ Hospes comesque corpóreos/ Quae nunc abibis in loca/ Pallidula, rigida, nudula, Neco, ut solas, dabis yocos… Así comienza el poema fúnebre que escribió el emperador Adriano y que inspiró a Marguerite Yourcenar para sus Memorias, como una hipotética carta de despedida que escribe a su joven sucesor, Marc Aureli. Una prenda que en su momento fue de obligada y deliciosa lectura. Años después, nada menos que Maurizio Scaparro se encargó de llevarlas encima de un escenario con una adaptación de Jean Launay, protagonizada por Giorgio Albertazzi, la cual pudimos ver en el madrileño Teatro Albéniz. El propio director la recuperó en castellano, protagonizada por José Sancho, con quien recorrió buena parte de la península Ibérica.

Inquilina es la última cucavela teatral de la calórica Julia Truyol. Ella siempre elige bien, desde la compañía con la que se han convertido en referente canónico a otros. Su listón está muy arriba y en esta ocasión, de nuevo, lo ha vuelto a franquear con esa naturalidad interpretativa que es marca de la casa. Sin embargo, Inquilina es un reto con algunos tirabuzones añadidos, en el que se necesitan muchos elementos en torno a la historia para que el proyecto llegue a buen puerto. En primer lugar, un buen texto, a partir de una situación a la orden del día, como es el hecho de que un inquilino eche a la inquilina fruto de la desmesura, por decirlo de alguna manera, en la que vivimos ya la que incluso nos hemos acostumbrado como si nada, encogiendo los hombros y uno que le haremos. Poner esta cotidiana circunstancia sobre un escenario tiene el riesgo de convertirla en una pieza costumbrista. No es el caso. Por otro lado, un monólogo necesita muchos alicientes para no adormecer al respetable, que obliga a la protagonista a dar toda una serie de saltos mortales que tan sólo se pueden superar con todo un surtido de registros a un ritmo, si no frenético, con muchas revoluciones, cambiando el tono, yendo desde la desesperación hasta el conformismo, desde el protagonista talante.

El quinto concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Islas Baleares llegó lleno de nombres y apellidos no muy habituales, desde los compositores hasta el solista y el director. En cuanto a estos dos últimos, no hace falta decir que tener a Frank Peter Zimmermann como solista es un auténtico lujo y, por supuesto, un privilegio. Zimmermann, además, venía con un estreno en España bajo el brazo, el Concierto para violín y orquesta, del compositor suizo Frank Martin. Una pieza basada en La tormenta, de Shakespeare, con el personaje de Ariel como alusión musical permanente, con una estructura, al menos, peculiar.Allegro tranquilo-Andante molto moderato-Presto— y toda una serie de referencias que van desde el dodecafonismo hasta el jazz, que se van entrelazando hasta conformar un homogéneo caleidoscopio que aplasta de forma espectacular en el movimiento final. Una pieza exigente, con la que tanto la orquesta como el solista, exhibieron tanto energía como un ensamblaje mayúsculo. La interpretación tuvo premio: Zimmermann regresó con dos bises, uno de ellos no menos literario que la composición, El rey de los elfos de Schubert, inspirado en un triste y fantástico poema de Goethe. Este ejercicio de complicidad entre los protagonistas tenía también nombre propio, Pietari Inkinen, prestigioso director de orquesta finlandés, quien en su currículum ostenta, entre otros, la conducción de la tetralogía wagneriana en Bayreuth en 2023, y que hizo brotar de la orquesta todas las capacidades. Tanto es así, que los músicos le despidieron con un caluroso y categórico aplauso.

Si me dieran a elegir una obra de teatro, sólo una, seguro que sería Cyrano de Bergerac, de Edmond Rostand, como estoy casi seguro que es la obra de la que más versiones he visto en mi vida. Verla anunciada en el Teatro Principal de Ciudad, con la adaptación de Salvador Oliva ya cargo de la compañía La impaciencia —de Rodo Gener, Salvador Oliva y Xavi Núñez, dirigidos por Luis Venegas—, despierta, al menos, dos sensaciones antagónicas. Por un lado, el disfrute de poder ver y oír las palabras, aventuras y desventuras de alguien a quien resulta imposible no admirar, envidiar y nunca llegarle a la suela de los zapatos. Por otra, lo confieso, la duda de hasta dónde puede llegar esta atrevida tribu con sólo tres actores y cuatro cajas de madera como escenografía en tan sólo hora y media de representación.