Fin de fiesta, fiesta mayor, con un Falstaff de auténtico lujo, que, además, seguramente nunca olvidaremos, porque es la última ópera que dirige Josep Pons como director artístico del Gran Teatre del Liceu. Por lo tanto, una despedida entrañable para quien durante 14 temporadas nos ha regalado muchas tardes memorables. Una de ellas, sin duda, esta tercera función, la segunda del primer reparto de la última ópera de Giuseppe Verdi. Él decía que la escribía tan solo para divertirse. Su libretista, el imprescindible Arrigo Boito, decía que “quería mojar la naranja shakesperiana sin dejar que los inútiles huesos cayeran dentro del vaso… Esto es muy difícil, pero debe parecer fácil”. Los que saben dicen que es la mejor de sus creaciones, junto con el Réquiem y la ópera anterior, Otelo. Ahora no entraremos en la diatriba de los rankings, que van contra la esencia del arte, pero no es menos cierto que no tiene el tirón de muchas otras del maestro de Busseto en la memoria de todos. En cualquier caso, más o menos comercial, de lo que no hay duda es que se trata de una indiscutible obra maestra. Una buena prueba es la producción del Teatro Real, de la Monnaie de Bruselas, de la Opera National de Bordeaux y de la Tokyo Nikkita Opera Foundation dirigida por Laurent Pelly, que pudimos ver en Madrid hace seis temporadas.Es, sin duda, todo un privilegio poder disfrutarla con el mejor Falstaff posible, Luca Salsi, y sin olvidar que es Ambroggio Maestri el otro encargado de interpretar al famoso personaje, tan celebérrimo que hace acto de presencia en tres piezas de Shakespeare, en las dos de Enrique IV y en Las alegres comadres de Windsor, inmortalizado por Orson Welles en el cine. Aunque se trata de un personaje tan cómico como patético, lo más sencillo sería convertirlo en una caricatura, pero Pelly acierta en el tono y sus características se convierten en un retrato muy acurado y con mucha más profundidad y sustancia de lo que se podría averiguar en una primera aproximación. Salsi, incommensurable, de principio a fin, de pies a cabeza, brillante con la declaración de principios del fanfarrón, L’Onore! Ladri!, una explosión de contrastos con que se abre la función. El listón, muy alto. Los otros no bajaron el nivel, como es ahora el Fenton de Lucas Maechem, con la misma dosis de presencia escénica que su “contrincante”. La Nannetta de Serena Sáenz y la Alice de Carolina López Moreno, impecables y con la gracia que necesitan ambos personajes. Todo compensado, todos se convierten en el complemento perfecto de los otros, pero hay que decir que la Quickly de Daniela Barcelona tenía valor añadido. Con cada intervención hacía más gracia que a la anterior. Obra coral con una distribución de protagonismo casi perfecta y con una producción en que todo estaba al punto. Como era de esperar, Josep Pons, ya había arreglado cualquier posible pequeño desajuste del día del estreno, ofreciendo una lectura impecable de una partitura con mucha diversidad armónica, que concluye con la presencia del coro, tan mínima como eficaz.

Oír a Fullana tocar el Mary Portman de Guarneri es siempre un placer indescriptible. El jueves, en el tercer concierto del Festival Bellver no fue una excepción, sino todo lo contrario. Francisco Fullana, una vez más, volvió a hacer una exhibición de talento, agradecimiento y compromiso con la que, de alguna manera y sin duda, también es su orquesta y su público. Así lo demuestra una y otra vez. Lo cierto es que, muy probablemente, incluso quienes le escuchamos desde hace años en todas y cada una de sus intervenciones en casa no somos lo suficientemente conscientes de su estratosférico nivel. Quizás sea porque va en nuestro ADN, pero esa es otra historia.

Segundo concierto en Bellver. Poco habitual. Especial. Afectuoso. Por diversos motivos. El primero lo encontramos en el solista, Josep Colom, el encargado de interpretar el Concierto para piano núm. 27 K. 595, de Wolfgang Amadeus Mozart. Un músico extraordinario en muchos sentidos, que no es leyenda, sino historia de la música en letras de molde. Pianista excelso y peculiar, tanto, que cada una de sus interpretaciones tiene sello propio sin traicionar el original. El jueves por la noche no fue una excepción, con una cadencia marca de la casa. Incansable. Nunca pararía de tocar. Pero, además, ha sido un docente del que todos los alumnos hablan maravillas y tanto con afecto como con admiración. Pablo Mielgo, desde el atril, explicó que a los 11 años había tocado delante de él y que, por lo tanto, era un honor poder acompañarlo. Su interpretación de este Mozart tardío, a pesar de que tan solo tenía 35 años y le quedaba menos de uno para fallecer, fue minuciosa, pero cuando surgió el mejor Colom fue con el bis, el Rondó en re mayor k. 485, también de Mozart. Fue como si la primera intervención fuera un preparativo. Sin duda que hubiera aumentado el nivel si hubiera continuado tocando. Queda claro que ver y oír a Josep Colom siempre es un lujo y, por descontado, un placer.Otro de los motivos que proclaman los adjetivos lo encontramos en la formación. Algunos miembros de la Sinfónica acompañados de otros de la Pequeña Sinfónica, formada por alumnos de entre 10 y 16 años, a los cuales, además del premio que supone compartir escenario con los ya profesionales, Mielgo inoculó la primera dosis del veneno de los aplausos. Todos demostraron que estaban allí arriba por méritos propios, con algún solo que, con los ojos cerrados, no hubiéramos adivinado quién era el responsable. Un acierto de Mielgo y un aliciente para ellos, que en la segunda parte habían aumentado el número de participantes. Una segunda parte que se inició con una selección de temas de La boutique Fantasque, de Ottorino Respighi, una suite orquestal del ballet inspirado en la música de Rossini. Divertida, alegre, idónea. A continuación, un clásico, El Moldava. Descriptivo, sugestivo, dulce. Todo en orden, incluso un poco sorprendente, el nivel del concierto. Para acabar la fiesta, ritmo, de calidad, el Danzón núm. 2, de Arturo Márquez. No hace falta decir que el castillo volvía a estar lleno hasta la bandera.

El tándem Tchaikovski-Dogadin fue el encargado de inaugurar esta nueva edición del Festival Bellver, como un apéndice de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears, en el marco incomparable, que es un tópico, pero incontestable. Dirigía la función Pablo Mielgo, que de nuevo mostró buena química con el solista de turno. Sergei Dogadin ya había tocado con los mismos acompañantes en dos ocasiones anteriores. La temporada 23/24 interpretó el Concierto para violín, de Alexander Glazunov, y la siguiente fue el encargado de abrir la temporada de la Sinfónica con el Concierto para violín. A la memoria de un ángel, de Alban Berg. El jueves, quiero suponer que con el Domenico Montagnana, del 1721, nos ofreció una pieza más reconocida que las mencionadas, pero con un grado de dificultad superior, tan inmenso como excelso, con el Concierto para violín y orquesta en re mayor op. 35, de Piotr Ilich Tchaikovski, el único que el ruso que muchas veces no lo parecía compuso para este instrumento. 

Cuarenta ediciones y a teatro lleno desde hace muchos años es un buen motivo de alegría y, por supuesto, rubricar la temporada con un Rigoletto una de las mejores maneras de hacer justicia al acontecimiento. También tiene un cierto riesgo. Para conseguir un buen resultado se necesitan voces de gran nivel. Damiano Salerno como Rigoletto y Génesis Moreno como Gilda fueron los encargados de hacerlo y solemnizar la efeméride. Sin duda, brillaron muy por encima del resto de un reparto que tampoco estuvo nada mal. Pero los momentos cumbre de la función se generaron cuando ellos dos eran los grandes protagonistas. Sus duetos fueron antológicos. Comenzaron su recital con el emotivo y delicado Figlia! Mio padre! Continuaron con el descomunal Mio padre!…Tutte la feste al tempio. Encumbraron la tragedia con el dúo final, V’ho ingannato, colpevole fui y Lassú in cielo. Tan solo estos tres momentos serían suficientes para satisfacer a una parroquia que despidió a los protagonistas de pie tras el desesperado gemido de Rigoletto, ‘La maledizione’. Este era el título que quería Giuseppe Verdi. Un detalle sin importancia para una pieza impecable e implacable. Estructuralmente perfecta, lo que obliga a ambos protagonistas a una metamorfosis existencial detallada, minuciosa y, claro está, muy exigente. Tanto Rigoletto como Gilda, el jorobado y la hija, evolucionan, tanto vocal como dramáticamente, a medida que surgen y varían las circunstancias. Salerno y Moreno cumplieron con creces y algo más su cometido. Génesis Moreno, hace dos temporadas, ya había mostrado en el Teatre Principal no pocas de sus virtudes, interpretando la Julieta de Gounod. Por tanto, su elección para protagonizar Gilda no podía ser más acertada. Si toda la actuación fue memorable, una tremenda y descomunal exhibición de calidez, expresividad, coloratura, fiato… dejó a más de uno boquiabierto con un Caro nome inolvidable. Nada que decir, sino todo lo contrario, con las intervenciones de un Damiano Salerno, de voz rotunda y redonda, que con una emotiva y poderosa Cortigiani, vil razza dannata, rica en matices y repleta de dificultades, no nos hizo echar de menos a ninguno de los grandes que han interpretado el personaje más intrincado y complejo de la producción verdiana. Destacan la proyección, el complicado aliaje de virulencia y sutileza y una dicción y vocalización sin mácula.La dicción fue un pequeño obstáculo para Filip Filipovic como Duque de Mantua, considerable con el volumen, pero desigual en el conjunto, dejando la canzonetta que ha quedado como símbolo de la pieza, La donna è mobilie, en una anécdota. La pieza complicada es, siempre y mucho más, Ella mi fu rapita! Correcto Filipovic, aunque en cuanto a su personaje, creo que fue demasiado airado en la concepción de un seductor, ya que actúa como si fuera Gualtier Maldé. A otro nivel, pero adecuado, fue la actuación local, con Begoña Gómez como Maddalena, Irene Mas como paje de la duquesa y Cristòfol Romaguera como Conde Ceprano. Por otra parte, Toni Marsol fue un Monterone eficiente y expedito, mientras que para el Sparafucile de Niall Anderson no hacía falta ir tan lejos. La orquesta, dirigida por Oliver Díaz, y el coro masculino del Teatre Principal cumplieron con nota, mientras que la puesta en escena de Elena Barbalich, en la producción que llega de Pavía, Como, Brescia, Cremona, Bérgamo y Toulon, combinó un vestuario de época con unas estructuras metálicas muy contemporáneas, estéticamente efectistas, pero que sobre todo servían para delimitar con mucha eficacia cada espacio donde transcurre la acción en cada momento. Gran noche de ópera.

Los Orbitans continúan con su alternativo camino teatral. Si su reducto habitual han sido y son las barras de bar de no pocas calles de Ciutat, hace poco exploraron otro territorio para otro tipo de dramaturgias y, sin duda, para su público, ya consolidado. La primera prueba tuvo lugar en la habitación de un hotel, el Ars Magna, con el título de Píccolo. Un éxito. Por ello un segundo ensayo, en el mismo lugar y con no pocas garantías, que con el título Estranyes visites ha escrito y dirige Javier Gato Matesanz, protagonizada por Mariona Hauf y Joan Manel Vadell. 

Los Estunmen llegan a los Teatros del Canal después de pasar por El Lliure de Barcelona con todas las bendiciones y el visto bueno del Liceu y del Real, pero con las reticencias de cómo si un producto de estas características aún no tuviera suficientes garantías para ser representado en las casas principales. Quizás solo sean prejuicios, algo que no se entiende después de haber visto en la casa grande, en ambas y en muchas más, alguna creación operística que “deunidó”. Queda claro que los progenitores de la criatura, Nao Albet y Marcel Borràs, han jugado el rol -que también es un juego que encaja a la perfección con este bebé- de la transgresión y lo anuncian ya desde el título. Els estunmen no es otra cosa que la pronunciación de los stuntmen, los especialistas, los dobles de los protagonistas, los que están ahí y hacen como si lo fueran. Los capataces, Albet y Borràs, dicen que es una ópera y seguramente tienen razón y razones para clasificarla dentro de este género, donde la contemporaneidad siempre encuentra barreras casi infranqueables. La música la firma Fernando Velázquez, que en lugar de transgredir hace una precisa y adecuada aleación de no pocas épocas operísticas, aunque si la historia habla, entre muchas otras cosas, de héroes, ¿quién mejor que Wagner como gran fuente de inspiración. Por eso, y por muchas cosas más, estamos ante una guesamcunstverq, que es como se pronuncia la obra de arte total que predicaba el señor de Bayreuth.

Este miércoles 3 de junio y en el marco de la Feria del Libro de Palma, en la plaza de España, Pere Estelrich i Massutí presentará su recopilación de artículos con un denominador común y un título bastante elocuente: Crónicas Wagnarianas, editado por Edicions Documenta Balear dentro de la colección Menjavents. Estelrich no necesita introducción. Es conocido por méritos propios. Matemático, escribe, divulga y esparce sabiduría por doquier: en los diarios, en la radio o sea donde sea que requieran sus conocimientos. Escribe como habla, claro y entretenido, como solo lo puede hacer quien atesora un bagaje de muchos años y no poca faena, hecha con pasión, la que indiscutiblemente transmiten sus palabras.

Aunque ya son quince años desde que partió Alexandre Ballester, siempre estará presente en la memoria de los que gozamos de su traza, gracia y perspicacia. Que el teatro Principal Palma decida ponerlo al alcance de todos los que no tuvieron nuestra ventura es, sin duda, no solo un acierto, sino también un merecido homenaje. La producción, por otra parte, es de las de renombre, una escenografía grandiosa, con el inconveniente de la movilidad para que pueda ir a otros escenarios de la isla, y un reparto de lujo, encabezado por Miquel Àngel Torrens, junto con Luca Bonadei, Mariona Hauf, Sofía Muñiz, Maria Rosselló, Josep Orfila y Patxi Arostegui. La obra, Un baúl amarillo para Nofre Taylor, que en su día Joan Lluís Bozzo puso sobre los escenarios alternativos catalanes, un poco antes de la creación de Dagoll Dagom, había quedado en el fondo del baúl de las piezas olvidadas. Marga López ha sido la encargada de este rescate, de este hiperrealista retrato de la condición humana, porque eso es, y no otra cosa, la pieza de Ballester. Todos los rasgos del rico y poderoso no han cambiado ni poco ni nada, porque ya eran así desde que el tiempo es tiempo. Esta sería una lectura cuidadosa, pero sencilla, porque los súbditos de los emperadores/empresarios también juegan el mismo rol de siempre, el de la sumisión. Aún más, a todos y cada uno de los personajes que van apareciendo podríamos ponerles nombre y apellidos de algún conocido, tan conocido que, a lo mejor, son los nuestros. El pincel de Ballester no dejaba nunca ningún rincón sin pintar.

Dice el programa de mano de Calidoscopi, la última criatura de Estudi Zero, que “los personajes se mueven por situaciones absurdas, violentas o profundamente humanas”. Cierto, pero aún lo sería mucho más si la conjunción fuera copulativa en lugar de disyuntiva. Si las situaciones son absurdas y violentas queda claro que son indiscutiblemente muy humanas. La caricatura no desvirtúa la realidad sino que la acentúa, de tal manera que este punto tan osado, irracional y estrambótico hace que el metafórico dibujo de la condición humana llegue con más eficacia. Que la función esté compuesta por diferentes pequeñas historias aporta sello Sans, de tal manera que nos transporta a aquel viaje que en esta misma sala pilotaba Karl Valentin. Para la ocasión son diversos los autores que figuran en la nómina de Calidoscopi –Esteve Soler, Juan Mayorga y Joël Pommerat–, que hace que el talante de los diferentes sketches suban un poco mucho el calor de cada uno. No hay humor blanco. Todos contienen una elevada dosis de veneno, en la misma proporción que de causticidad y sarcasmo y sin miedo de traspasar líneas rojas.La primera historia, la del hombre a quien un autobús ha pasado por encima, de la que ya no diré más porque sería spoiler, marca el talante de la función. Humor negro en estado puro. La crueldad humana o la falta de humanidad, que en este caso es lo mismo, lucen con todo el esplendor. La de la pareja que confiesa a su hijo de veinte años que no fue un hijo deseado, aumenta exponencialmente la porción de inhumanidad. La del vendedor de cualquier cosa que podáis imaginar es un espejo dirigido hacia el patio de butacas. Y así sucesivamente. Todo ello, redondeado con un número musical que interpreta Dominic Hull, un My way al más puro estilo crooner, acompañado por el resto del reparto y vestidos como lo hacía Fortunio Bonanova and the Glamouramas en sus gloriosos años norteamericanos. Naturalmente en un conjunto tan diverso no resulta sencillo encontrar el punto ideal de homogeneidad, pero, aun así, la función atesora suficiente uniformidad, tanto en las diferentes historietas como en la interpretación de los siete protagonistas, que en tan maratoniana función se convierten en un inmenso montón de personajes, vestidos siempre de muy diferente manera. Tan solo un pequeño pero, las pelucas no son muy necesarias. Con los diferentes cambios de registro, que los hay, basta.

El monumental claustro de Sant Bonaventura acogió la Ceremonia de los derviches giróvagos, organizada por la Fundació Toni Catany, quien, como dice el programa de mano, fue un enamorado de las culturas del Mediterráneo, que pisó y de las cuales dejó testimonio artístico en incontables series fotográficas. No es un espectáculo, estoda una experiencia litúrgica, como muy bien explicó Halil Bárcena, el director del Institut d’Estudis Sufís de Barcelona, poco antes de dar curso a este Sêma: El viaje sufí, a cargo de la Neva Sufi Ensemble. Un grupo integrado, por un lado, por cuatro músicos con sus instrumentos tradicionales, el ney, el qanun, el ud y el bendir —más o menos, una flauta, una cítara trapezoidal, un laúd árabe y un tambor— también encargados de poner voz a los selam, la salutación en turco. Por otro lado, los semazens, derviches danzantes, otros cuatro, que van repitiendo los giros, siempre de izquierda a derecha, con la mano derecha girada hacia el cielo y la izquierda hacia tierra, la manera de establecer un vínculo entre el alma y el cuerpo, entre lo divino y lo humano.Decía Robert Graves en el prólogo deLos sufíes, del pensador fundacional Idries Shah, que “el sufismo representaba una corriente de iluminación interior centrada en el amor y el conocimiento de uno mismo, libre de dogmas opresivos”. Todo esto quedó patente en esta representación de la música y los bailes de la tradición clásica sufí mevleví. El recinto, lleno; el silencio, absoluto, reverencial. Como si se tratase de un oficio con toda su carga mística. Los ascéticos movimientos de los derviches se encargaban de marcar la idiosincrasia espiritual de la función, al mismo tiempo que exhibían una cadencia tanto estética como sobria y cenobítica.La música, emotiva y profunda, con las tradicionales frases melódicas de los maqamat, las cuales, mientras las voces salmodiaban los nombres de los profetas, aportaban a la representación la aleación pura y trascendente entre unos y otros. Era la sensación de que todo ello era mucho más de lo que nuestros sentidos podían captar en una primera instancia. Fue un homenaje, adecuado y emotivo, pero también una puerta abierta a otra manera de ver y vivir.

Hay momentos en la ópera que, siempre y sin excepción, resultan absolutamente memorables. Son aquellos que cuando el/la cantante acaba de interpretar habitualmente el aria más famosa de la composición, los aplausos del público tienen un tono especial, muy elocuente, incluso exigente. Y, si casi siempre van perdiendo intensidad, en estos casos los decibelios aumentan de manera exponencial. El protagonista primero guarda silencio, respetuoso y agradecido, sin ningún movimiento, ni el más mínimo que pueda interrumpir la fiesta que han iniciado los espectadores de allí arriba y han contagiado al resto. Mira al director. Este, atento, espera que el protagonista cierre los ojos de manera afirmativa, corroborando lo que quien más quien menos ya tenía claro. Y así comienza de nuevo la apoteosis, el bis. Para los mallorquines que allí estábamos, tenía valor añadido, el primero que hizo Xabier Anduaga, con Una furtiva lagrima, fue en el teatro Principal de Palma. El domingo, en la tercera función de su primer Werther, el Liceu estalló y convirtió la velada en memorable, una de las que no se olvidan. Xabier Anduaga bisó, por primera vez en su debut del personaje trágico por excelencia, la celebérrima y legendaria Pourquoi me réveiller. Una circunstancia que podría haber convertido el resto de la función en pura anécdota.

El reto tenía mucho de riesgo. La liaison entre el teatro Principal de Inca y la Orquestra de Cambra de Mallorca está recogiendo cada vez más sabrosos frutos. Dicho esto, hay que alabar esta última hazaña, que sin duda no será la última ni de lejos, como es ahora la completa escenificación del Così fan tutte, de Mozart, con tan solo unos pequeños y nada trascendentes cortes argumentales con los cuales, por otra parte, han conseguido dar mucha fluidez a la narración y hacen que todo transcurra con la máxima naturalidad para una historia que, como casi todas las comedias bufonescas, no pretende ningún tipo de verosimilitud ni credibilidad. La pretensión está en el trasfondo de la trama, que, en este caso, va bien repleta de lecturas. Tanto es así que Miquel Àngel Raió, el director artístico de este suceso, en la medida de lo posible, ha cambiado el discurso, salvando un poco lo que hacen “todas”. No era sencillo ganar un pulso a Lorenzo da Ponte. Lo dejaremos en tablas. Raió, donde sí ha sido indiscutiblemente fundamental ha sido en la puesta en escena y todo lo que tiene que ver con el envoltorio –idóneo, sencillo y eficiente–, en la muy cuidada dirección de actores y todos los demás elementos que, con la colaboración escenográfica y estilista de Adema, hacen que todo funcione sin trabas ni treguas. Incluso de la incorporación de los tres bailarines saca provecho argumental.

“Estoy en el umbral de la plenitud”, escribió Mozart en una carta en el año 1790, el mismo del estreno de Così fan tutte, ossia La scuola degli amanti. Lo recoge Christoph Wolff en su ensayo y lo convierte en el título del libro que, traducido por Ramón Andrés, publicó Acantilado. Cuenta, entre muchas otras cosas, que el libreto que presentó Da Ponte a Mozart llevaba por título el que quedó como subtítulo, pero Mozart encontró más adecuado, por cuestiones musicales, y seguramente alguna más, el que todos conocemos. Hay que decir que Da Ponte nunca reconoció el nombre con el que ha pasado a la historia y a sus Memorias, tan solo lo cita una vez en un pequeño párrafo, donde cuenta que escribió una tercera pieza para una cantante, a la que no pone nombre, pero era Adriana del Bene, conocida como la Ferrarese, su amante del momento. Fueron El pastor Fido y La cifra, de Salieri, y La scuola degli amanti, de Mozart, “que ocupa el tercer lugar entre las hermanas nacidas de este celebérrimo padre de la armonía”. Ni una palabra más. Queda claro que la interpretación de la obra entre uno y otro era conceptualmente muy diferente, al menos en lo que respecta al título. Mozart, por su parte, daba preponderancia al comportamiento femenino, mientras que Da Ponte buscaba, y encontraba, una lectura filosófica y rompedora, como también mucho más rebuscada y profunda.

Tomar los clásicos y a partir de ahí contar lo que quieres contar ha sido el truco argumental con el que Miquel Mas Fiol ha montado esta Trilogía de la Condición 'Millennial'. El autor y director no se ha andado con chiquitas. La primera víctima fue Voltaire; la segunda, Goethe, y la tercera, Victor Hugo. Cándido o el optimismo, Las penasdel joven Werther y esta última, Los miserables, han sido el MacGuffin para que el autor lance su discurso, basado en pasarlo bien sin dejar ni un pelo sobre los hombros de nadie. Ni una caña en pie, sin excepciones. La primera, la suya, desde antes de empezar la función, con dos de los protagonistas lanzando invectivas contra el autor. Desde abusador hasta explotador… mientras la gente entraba al recinto. Esta es su licencia, el salvoconducto que le permite zurrar sin piedad, a tort y a derecho, fuera de líneas rojas.

Noveno concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears en el Auditorium de Ciutat, que se inició con el peculiar , del compositor finés Einojuhani Rautavaara, a las órdenes de un director de enorme presencia en todos los sentidos, como es el noruego Rune Bergmann. Él fue, sin duda, quien convirtió el concierto en un espectáculo de unas dimensiones que se corresponden con las suyas. Justo después de la ornitológica composición llegó el primer plato fuerte del programa, con la pianista Olga Kern como gran protagonista, para interpretar el Concierto para piano y orquesta en la menor op. 54, de Robert Schumann. Inició el primer movimiento, con un estilo muy sólido, un poco rocoso, y una pulsación muy firme, desde la decidida entrada del piano, con una marcial y poderosa sucesión de acordes descendentes, hasta llegar a la poliédrica cadencia del final, desde donde aumentó la coloratura de la composición, con tanta precisión como elegancia. Su interpretación iba subiendo el nivel y la delicadeza, como por ejemplo, con el andantino grazioso, un divertido diálogo entre la orquesta y el piano que, poco a poco, se fue convirtiendo en un tierno y sutil monólogo del instrumento solista. Kern dejó clara su maestria y capacidad para sugerir toda esta serie de variaciones y estilos que Schumann incorporó a la partitura, de manera muy novedosa en su momento. La solista, de nuevo, retomó el tono enérgico del comienzo, en un tercer movimiento impetuoso, cuando, de golpe, estableció un delicioso nuevo diálogo, esta vez con el oboe, como un anuncio de la excepcional coda final que tan solo se puede calificar de excepcional y que sirvió a la protagonista para recibir los entusiastas aplausos del público. Como debía ser y todo el mundo esperaba, hubo bis, primero un , de Claude Debussy, que nunca decepciona ni deja indiferente. Impecable. Y ante la plegaria en forma de ovación, otra pequeña perla, de Nikolái Miaskovski, un arreglo para piano de Joseph Horovitz.

Tercera entrega de una nueva temporada en el teatro Principal de Inca, hogar de la Orquesta de Cámara de Mallorca, que pudimos oír de nuevo en la iglesia de Llubí. Un programa que de por sí ya era bastante apetecible, con un grado de dificultad que lo convertía en valor añadido y con una figura indiscutible, Eduardo Ríos, violinista de la Berliner Philharmoniker, como solista encargado para la ocasión de dar vida al Concierto para violín y orquesta en Re mayor, op. 6. Uno de los conciertos más complicados y el único que compuso Ludwig van Beethoven para el instrumento. Una composición que, como tantas otras, lleva acoplada su leyenda. Estrenada por Franz Clement, recibió la partitura muy poco tiempo antes del concierto, y la interpretó como si fuera casi una primera lectura, pero, además, añadió una sonata suya como cadenza tocada sobre una sola cuerda y con el violín al revés. Tan difícil era la ejecución del concierto que los virtuosos de la época decidieron que era intocable, hasta que, treinta y seis años después del estreno, a la edad de trece años, y con Felix Mendelssohn a la batuta, Josef Joachim la colocó en el pedestal que le corresponde y de donde ya no ha vuelto a bajar.

No debe haber sido nada sencillo elegir un par de obras con las que celebrar el cuadragésimo aniversario de una compañía teatral de tanta relevancia como Iguana Teatre. Un grupo que no es historia, diría que es “la historia” del teatro contemporáneo de las Islas, por la sencilla razón de que fueron ellos los que abrieron el camino por donde muchos otros han iniciado su travesía. Han elegido Sa varietat de sa locura para conmemorar el acontecimiento conjuntamente con el teatro Principal. Una pieza que quizás no es la más representativa de su talante, podrían haber sido muchas otras de entre las más de cincuenta que han puesto sobre un escenario, pero, por otra parte, es la prueba fehaciente de su versatilidad, de esa costumbre de transitar por todos los estantes del teatro, desde los clásicos hasta los más vanguardistas, desde una vertiente investigadora, con su sello siempre inquieto y respetuosamente rompedor, que es lo que los condujo hacia esta serie de entremeses que conforman tan peculiar espectáculo.

La pregunta del titular no tiene respuesta, pero el biógrafo de Verdi, Julian Budden, sentenciaba que era en el Réquiem donde mostraba la mayor concentración de su genio. De entre tantas misas de difuntos que habitan el universo de la música no resulta muy difícil pensar, con muchos elementos de juicio, que este que nos ocupa es el más complejo, monumental y antológico de todos ellos. No era un terreno que hubiera cultivado mucho Giuseppe Verdi. Fue su participación, con un Libera me Domine, que, junto con otros doce compositores, dedicaron a Gioachino Rossini, el cisne de Pesaro. Una piezaque no se estrenó ni siquiera cuando estaba prevista su primera interpretación, la conmemoración del primer año de la muerte de quien iba dedicado. Verdi lo rescató cuando decidió dedicar el suyo a Alessandro Manzoni. Así comenzó la historia de este colosal rascacielos musical del cual disfrutamos como sexto concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears, junto con el coro UIB, dirigido por Núria Cunillera, Mira Alkhovix, soprano; Sílvia Tro Santafé, mezzosoprano; Antoni Lliteres, tenor, y Simón Orfila, bajo. Dirigía el evento Pablo Mielgo.

Concierto de quienes hacen afición. Quizá por eso y porque había muchos niños, alumnos del Conservatorio, el Auditorium del paseo Marítim presentaba un aspecto que gozaba. El programa era jugoso, goloso de pies a cabeza. Empezó con elApertura núm. 3, de Leonora, la que Beethoven consideraba demasiado importante e imponente como para que perdiera relevancia como inicio de una ópera, la única que compuso, Fidelio, que primero debía decirse como la pieza que nos ocupa. Y así, imponente, con cal y corresponde, sonó el prólogo del séptimo concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica Illes Balears, dirigida por Pablo Mielgo. Una presentación mayestática, incluso diría que con un talante especial por parte del director I los sesenta músicos que le acompañaron en esta velada tan especial a la hora de interpretar tan precisa sinopsis musical de lo que sería la única composición operística del genio de Bonn. Quedaba claro que había ganas de agradar un poco más que siempre y lo dejaron claro desde los primeros compases.